История движения поп-арт
, особенности стиля народного творчества.
ГЛАВНЫЙ ИНДЕКС АЗ - АЗ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ДВИЖЕНИЙ
|
История движения поп-арт
|
|
|
|
САМЫЕ ВЕЛИКИЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ |
Поп-арт (ок. 1955-70)Содержание • Что такое поп-арт? |
|
Примеры поп-арта Apple Core (1992) Вам! (1963) Рой Лихтенштейн. Суп Кэмпбеллс (1968). Уорхол Большой всплеск (1967), Дэвид Хокни. |
|
ЭВОЛЮЦИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА ХУДОЖНИКИ ДВАДЦАТОГО ВЕКА |
Что такое поп-арт? - Характеристики Термин «поп-арт» был изобретен британским куратором Лоуренсом Аллоуэем в 1955 году для описания новой формы «популярного» искусства — движения, характеризующегося образами потребления и популярной культуры . Поп-арт возник как в Нью-Йорке, так и в Лондоне в середине 1950-х годов и стал доминирующим авангардным стилем до конца 1960-х годов. Характеризуемый смелыми, простыми, повседневными образами и яркими блочными цветами, на него было интересно смотреть, и он имел современный «модный» вид. Яркие цветовые схемы также позволили использовать эту форму авангардного искусства .чтобы подчеркнуть определенные элементы современной культуры и помогли сократить разрыв между коммерческим искусством и изобразительным искусством. Это было первое постмодернистское движение (где среда так же важна, как и сообщение), а также первая художественная школа, отражающая силу кино и телевидения, благодаря которым многие из его самых известных образов приобрели свою известность. Распространенными источниками поп-иконографии были реклама, упаковка потребительских товаров, фотографии кинозвезд, поп-звезд и других знаменитостей, а также комиксы. |
|
ЛУЧШИЕ ХУДОЖНИКИ МИРА ЭВОЛЮЦИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА ЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА |
Среди известных представителей поп-музыки в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (р. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были: Джим Дайн (р. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р. 1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (р. 1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (1937 г.р.), Джеймс Розенквист (1933 г.р.) и Том Вессельманн (1931 г.р.). Чтобы узнать больше, см . «Поп-арт Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых». Среди ведущих британских поп-исполнителей были: сэр Питер Блейк (1932 г.р.), Патрик Колфилд (1936–2006), Ричард Гамильтон (1922 г.р.), Дэвид Хокни (1937 г.р.) и Аллен Джонс (1937 г.р.). |
|
|
Поп-арт, как почти все значимые художественные стили, отчасти был реакцией на статус-кво. В 1950-х годах в Америке основным стилем был абстрактный экспрессионизм ., загадочный беспредметный стиль живописи, который, хотя и вызывал восхищение у критиков, серьезных любителей искусства и опытных посетителей музеев, не был «связан» ни с широкой публикой, ни со многими художниками. Очень живописный стиль, чем более абстрактным и выразительным он становился, тем больше возможностей для нового стиля, который использовал более фигуративные, более приземленные образы: то есть что-то, во что могло вцепиться более широкое братство художников и что зрители могли относиться к. Таким образом, поп-арт, который должным образом стал установленным художественным стилем и, в свою очередь, был вытеснен другими школами после 1970 года. |
|
|
В некотором смысле появление поп-арта (и его господство над абстрактным экспрессионизмом) было похоже на подъем дадаизма и его более широкого преемника сюрреализма (и их господство над кубизмом ). Обе вытесненные школы (абстрактный экспрессионизм и кубизм) включали в себя высокоинтеллектуальные стили с ограниченной привлекательностью для любителей основного искусства. Правда, дадаизм был по существу антиискусством, но годы его расцвета 1916-1922 были отмечены большой поляризацией и политической борьбой, и как только все затихло, большинство дадаистов стали сюрреалистами. В любом случае, как поясняется ниже в разделе «Цели и философия ».Поп-арт разделяет многие черты дада-сюрреализма и обязан ему несколькими техниками, заимствованными из коллажей Курта Швиттерса , « реди- мейдов » Марселя Дюшана , знаковых образов Рене Магритта и дерзких творений Сальвадора Дали ( например , диван Mae West Lips Sofa ; телефон Lobster ). И если сюрреализм был по своей сути интерналистским и эскапистским по своей природе, тогда как поп-арт определялся внешними потребительскими силами, оба были поглощены необходимостью оказать сильное визуальное воздействие на широкую публику. Еще одним художником, который, возможно, оказал влияние на поп-арт, является Эдвард Хоппер (1882-1967), художник-реалист городской Америки. Хотя его живописный стиль очень отличается от большинства поп-работ, его простые изображения ультраамериканских повседневных сцен (например, «Ночные ястребы», 1942 г. и «Газ», 1940 г.) были хорошо известны поп-поколению и, возможно, повлияли на их картины.
Британский поп-арт возник в рамках Independent Group — неформального круга художников, в который входили художник Ричард Гамильтон, куратор и искусствовед Лоуренс Аллоуэй и скульптор Эдуардо Паолоцци, которые встретились в Институте современного искусства в Лондоне. С первой встречи в 1952 году, когда Паолоцци представил ряд коллажей, собранных из вырезок из журналов и других « найденных предметов », в том числе его (теперь) знаменитый коллаж под названием «Я был игрушкой богатого человека» (созданный пятью годами ранее, в 1947 году). их дискуссии в основном касались художественной ценности и актуальности популярной массовой культуры . Четыре года спустя, в 1956 году, другой член группы, Ричард Гамильтон, создал свой собственный коллаж: «Что же делает современные дома такими привлекательными?» - который, наряду с коллажем Паолоцци 1947 года, считается одним из самых ранних образцов британского поп-арта. В 1961 году ряд работ Дерека Бошира, Дэвида Хокни, Аллена Джонса, Р.Б. Китая и Питера Филлипса в стиле поп были представлены на выставке «Молодые современники » . В 1962 году британская поп-музыка получила дополнительную огласку, когда BBC показала фильм Кена Рассела « Поп идет на мольберт », в котором исследовалось новое движение в Великобритании. |
|
|
Тем временем в Америке, в середине 1950-х годов, мир искусства потрясло множество художников, связанных с небольшими движениями (например , нео-дадаизм , фанк-арт , леттризм , бит-арт , полиматериализм , общий объект и т. д.). немногие), многие из которых включали в свои работы предметы массовой культуры. Они хотели, чтобы их искусство было гораздо более инклюзивным, чем традиционные стили (например, абстрактный экспрессионизм), поэтому они использовали нехудожественные материалы и сосредоточились на обычных, легко узнаваемых предметах, отражающих популярную культуру того времени. Среди этого всплеска инноваций работы Роберта Раушенберга , Рэя Джонсона (1927-95) и Джаспера Джонса начали оказывать влияние на важную арт-сцену Нью-Йорка. Между ними они открыли целый ряд новых предметов: Джонс с его картинами флагов, мишеней и цифр, а также его скульптурами таких предметов, как пивные банки; Раушенберг с его искусством коллажа и ассамбляжа, и «комбинированные картины» (в которых раскрашенный холст сочетается с различными предметами или фотографическими изображениями, такими как: «Вензель» [1955–1959], изображающая чучело козла с шиной посередине) чучел животных, Coca-Cola бутылки и другие предметы; Джонсон со своими знаменитыми коллажами Джеймса Дина, Ширли Темпл и Элвиса. Другими влиятельными пионерами и защитниками поп-арта были композитор Джон Кейдж (влиятельный преподаватель колледжа Блэк-Маунтин в Северной Каролине) и перформансист Аллан Капроу (1927–2006). Эта нарастающая волна нового мышления была дополнительно усилена возобновившимся интересом к более ранним авангардным движениям, таким как дадаизм и сюрреализм, чья непреходящая жизнеспособность была подкреплена влиянием, если не фактическим присутствием, нескольких бывших дадаистов и сюрреалистов, таких как Марсель Дюшан. Макс Эрнст и местные новообращенные, такие как Джозеф Корнелл. При этом важно констатировать, что хотя американские художники-авангардисты этого периода (особенно Раушенберг) были обязаны более ранним европейцам (таким как Дюшан, Швиттерс и др.) установлением определенных традиций (таких как коллаж), их уникальное внимание было сосредоточено на создании искусство, которое отражало реальность современной Америки . К началу 1960-х группа художников поп-стиля начала приобретать известность благодаря персональным выставкам в таких местах, как Нью-Йорк и Лос-Анджелес, некоторые из которых использовали коммерческие методы печати (например, трафаретную печать ) для создания своего искусства, а не традиционные . живописные приемы. Среди этих новых талантов были: Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельманн и Энди Уорхол. Несколько произведений, ставших впоследствии иконами, были показаны впервые. Среди них были масляные комиксы Лихтенштейна, трафаретные изображения Мэрилин Монро и банок супа Кэмпбелла Уорхола, а также монументальные виниловые гамбургеры и мороженое Ольденбурга. Как ни странно, до конца 1962 или начала 1963 года критики все еще называли этих художников « новыми реалистами » или каким-то другим подобным термином. Таким образом, две важные художественные выставки, состоявшиеся осенью 1962 года — одна, организованная Уолтером Хоппсом в Художественном музее Пасадены, а другая — в галерее Сиднея Джениса в Нью-Йорке, назывались « Новая живопись обычных предметов » (Пасадена) и Новый реализм » (Нью-Йорк). Только после этого термин «поп-арт» стал использоваться в качестве технического названия движения, отчасти из-за дискомфорта критиков от термина « реалист »., и отчасти из-за присутствия в Нью-Йорке Лоуренса Аллоуэя — ныне куратора Музея Гуггенхайма, — который выступал за принятие этого термина. С 1963 года поп-арт распространился по всей Америке и с помощью британских поп-художников утвердился на континенте. Росту движения способствовал параллельный рост в других областях. В экономике — через рост мировой экономики в целом и американской экономики в частности; в науке через распространение телевидения ; в современной музыке (которая сама стала известна как «поп») благодаря миниатюризации радио, увеличению производства пластинок, появлению культовых групп, таких как «Битлз », и явлению пикеделии ; и, наконец, через расширяющийся арт-рынок . В конце 1960-х годов Энди Уорхол стал Дэмиеном Херстом своего времени, завоевав славу и известность в равной степени благодаря своим культовым экранным снимкам знаменитостей, своим концептуалистским работам в кино, своим все более гладким методам производства произведений искусства и своей саморекламе - по крайней мере, до тех пор, пока он не был был застрелен и серьезно ранен 3 июня 1968 года. Рой Лихтенштейн тоже стал известен благодаря своим комиксам и нескольким престижным ретроспективам по обе стороны Атлантики. Тем временем Раушенберг получил Гран-при на Венецианской биеннале 1964 года., и сохранил свою авангардную репутацию, помогая сформировать EAT (Experiments in Art and Technology) в 1966 году для расширения сотрудничества между художниками и инженерами, в то время как Джонс сохранил свое высокое положение, выиграв первый приз на биеннале в Сан-Паулу 1967 года . Возможно, неизбежно, пережив конформизм 1950-х и панику Кубинского ракетного кризиса (1962), американский поп-арт достиг своего пика во второй половине 1960-х только для того, чтобы обнаружить себя зараженным и подорванным страхом Эпоха войны во Вьетнаме и соответствующий рост антиамериканизма. Несмотря на то, что британский поп-арт в начале и середине 1960-х годов был менее дерзким, менее китчевым, более романтичным и более ностальгическим, чем его коллега из-за Атлантики, он находился под сильным влиянием американской поп-культуры, которую он считал более современной. и более захватывающим, чем домашнее разнообразие. Именно в этот период Великобритания начала импортировать значительное количество американских телевизионных программ , а также другие особенности американской жизни, такие как бургер-бары . и другие точки быстрого питания. В результате художники стали черпать вдохновение в американских образах, хотя часто с очень британским уклоном. С другой стороны, британская рекламная и полиграфическая индустрия была гораздо менее развита, что сдерживало британских художников от использования методов, уже хорошо зарекомендовавших себя в Нью-Йорке (например, шелкография), и заставляло их полагаться на более старые методы. В Европе первенство американской поп-культуры было разбавлено как языком, так и политикой. В Париже, все еще беспокоящемся о своем младшем статусе по сравнению с Нью-Йорком в качестве главного мирового центра искусства, американскую поп-культуру скорее терпели, чем восхваляли. Более того, французский авангард — возможно, из-за его укоренившейся коммунистической партии — имел более политический оттенок и, таким образом, придерживался более дадаистской линии, поощряя участие публики в предпочитаемом им перформансе, хэппенингах и концептуальном искусстве под общим термином « нуво-реализм» (ок. 1960-70). Ведущими французскими «поп-артистами» или «нуво-реалистами» были: Ив Кляйн .(1928-62), Франсуа Дюфрен (1930-82), Матиал Райсс (р. 1936), Жак де ла Вильгель (р. 1926), Жак Монори (р. 1934), Ален Жаке (р. 1939), Жан Тэнгли (1925-91). Италия, будучи менее политической (несмотря на еще большую коммунистическую партию!) оставалась более открытой для художественных и дизайнерских возможностей, присущих поп-арту. Например, итальянская дизайнерская группа, в которую входили Джонатан Де Пас (1932–1991), Паоло Ломацци (1936 г.р.) и Донато д'Урбино (1935 г.р.), создала «Диван Джо» (1971) — диван, напоминающий гигантский диван. бейсбольная рукавица. |
|
|
Цели, философия и методы поп-арта Ни одно международное художественное движение, которое длится более 15 лет и охватывает все известные виды искусства, жанры и виды медиа, а также совершенно новые формы, не может быть суммировано в нескольких предложениях. Тем не менее, никакое понимание поп-арта невозможно без учета следующих понятий, которые помогают охарактеризовать его ядро. Мгновенное значение Основная идея поп-арта заключалась в том, чтобы создать форму искусства с мгновенным смыслом. Это резко контрастировало с суперинтеллектуализмом абстрактного экспрессионизма с его эзотерическими полотнами, столь любимыми профессионалами искусства. Чтобы достичь своей цели мгновенного смысла, поп-исполнители экспериментировали с новыми коммерческими процессами, такими как акриловая живопись ., коллаж на холсте с использованием материалов, обычно не связанных с живописью, и шелкография. Кроме того, изображения и цветовые схемы для большинства картин и скульптур в стиле поп-арт были взяты из громких и легко узнаваемых потребительских или медиа-источников, таких как товары народного потребления, рекламная графика, журналы, телевидение, фильмы, мультфильмы и комиксы. Люди и предметы были представлены в ярких, часто очень контрастных цветах, а композиции, как правило, были очень простыми и визуально привлекательными для широкой публики. Искусство можно сделать из чего угодно Вплоть до 20 века традиционная художественная живопись обычно выполнялась маслом: скульптураиз бронзы, камня или дерева. Кроме того, предметы, как правило, считались достойными эстетического обращения: обнаженная человеческая натура, человеческое лицо, классический пейзаж, жанровая сцена или натюрморт. Даже кубизм, несмотря на его революционный характер, имел тенденцию соблюдать многие из этих художественных условностей. Затем пришла Первая мировая война и движение против искусства, известное как дадаизм. Это движение инициировало идею о том, что искусство можно создавать из чего угодно, в том числе из самых банальных бытовых обрывков материала. Поп-артисты поддержали и развили эту идею. Они представляли современный мир поп-культуры любыми материалами, которые им подходили, какими бы низкопробными или тривиальными они ни были. Идея важнее самого произведения искусства Кроме того, вплоть до Дадаизма неотъемлемой чертой традиционного изобразительного искусства была сама работа — живопись, скульптура, гравюра, резьба или что-то еще. Без «произведения искусства» не было ничего. Поэтому все внимание было сосредоточено на качестве готового продукта и навыках, необходимых для его производства. Дадаисты восстали против этого, прославляя «идею произведения искусства», а не саму работу. Многие поп-художники продолжили эту традицию концептуального искусства .. Они придавали большее значение воздействию работы и меньшее значение ее созданию. Подобно использованию низкопробных материалов, этот акцент на концепции и влиянии произведения был истолкован как попытка развенчать авторитет мира искусства. Отчасти это было правдой: некоторые поп-исполнители разделяли антихудожественное и антиэстетическое кредо ранних дадаистов. Однако мейнстримная поп-музыка была более позитивной и больше стремилась создавать новые формы выражения с использованием новых методов и новых изобразительных образов, чем очернять традиции. Действительно, многие поп-художники считали себя содействующими изобразительному искусству, а не мусором. Более инклюзивный и актуальный стиль искусства Независимо от того, насколько изысканно задуманы и написаны и насколько хорошо приняты влиятельными художественными критиками, такими как Клемент Гринберг (1909–1994), Гарольд Розенберг (1906–78) и другими, монументальные работы Марка Ротко в стиле абстрактного экспрессионизма были в значительной степени неизвестны американскому (или британская) общественность в целом. Напротив, почти все узнавали Элвиса , Мэрилин Монро., и многие другие знаменитости, а также популярные продукты питания и другие брендовые продукты, которые быстро стали основным предметом поп-арта. Таким образом, с самого начала поп-арт заявил о своем намерении отказаться от элитарного характера традиционного или высокоинтеллектуального искусства в пользу популистских изображений известных сюжетов. Для большинства людей в конце 1950-х и начале 1960-х годов поход в художественный музей влек за собой утомительное пролистывание рядов малоизвестных картин, большинство из которых не были ни понятными, ни интересными. Как правило, большинство известных работ (и художников, их создавших) нельзя было оценить просто при просмотре, а требовалось внимательное изучение путеводителя по музею. Поп-арт сыграл важную роль в открытии мира живописи и скульптуры для обычных людей, которые, возможно, впервые в жизни могли мгновенно узнать и оценить выставку перед ними. Им это могло не нравиться, но их гораздо меньше пугал повседневный образ, который им близок. В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой публики. Держите зеркало перед обществом В отличие от Дадаизма, чьей абсолютно негативной целью было ниспровергнуть и подорвать ценности буржуазного истеблишмента, который они обвиняли в бойне Первой мировой войны, поп-арт стремился отразить социальные ценности и среду, из которой он возник. Таким образом, они сосредоточились на заботах, разделяемых большинством американских потребителей: еде , автомобилях и романтике .. Как правило, это достигалось с помощью дерзких или сатирических образов с сильным визуальным воздействием. И если бы их критиковали за то, что они занимаются подобным предметом, они могли бы просто сказать, что они просто (по словам Шекспира) «держат зеркало перед природой» или, в их случае, перед «современным обществом». Во всяком случае, поп-арт был «послевоенным выражением мира, полностью поглощенного стремлением к материализму». Постмодернистские тенденции Поп-арт начался с живописной моды, отличавшейся главным образом новым набором популистских сюжетов, которые, как надеялись, передали бы более актуальную и современную реальность. После этого он постепенно стал все больше и больше заботиться не об изображении реальности (или природы), а о влиянии, средстве и стиле. Такая тенденция, почти всегда приводящая к стиранию грани между искусством и демонстрацией — между чем-то прекрасным и простым развлечением, — является визитной карточкой постмодернистского искусства . По этой причине поп-арт можно считать первым движением, вышедшим за рамки модернизма в эпоху современного искусства . По сути, поп-артисты 1960-х годов проложили путь фотореализму . а затем Britart и другие подобные современные стили, появившиеся в последующие десятилетия. Они также проложили путь для постмодернистских строительных конструкций, которые значительно очеловечили американскую архитектуру . Критики против публики и коллекционеров Поп-арт часто презирался критиками за его низкопробность. Например, Гарольд Розенберг, один из самых влиятельных искусствоведов .в области современного искусства описал это как «как шутку без юмора, которую повторяют снова и снова, пока она не начинает звучать как угроза ... Рекламное искусство, которое рекламирует себя как искусство, которое ненавидит рекламу». В ответ можно резонно спросить: а чем должно заниматься искусство, как не обществом, из которого оно исходит? В конце концов, даже в 1960-е годы достаточно было посмотреть телевизор с его непрекращающимся потоком рекламных роликов, или проехать по улицам, покрытым рекламными щитами, или прочитать глянцевые журналы, набитые повторяющимися снимками музыкальных и кинозвезд, чтобы оценить изначально низкую -лобовой фокус современной жизни. Почему искусство должно быть другим? Что еще более важно, поп-арт был (и до сих пор остается) одним из самых популярных стилей искусства, которому удалось достучаться до широкой публики так, как немногим современным художественным течениям это удалось — или удалось с тех пор. И коллекционерам искусства это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) продана в 2006 году за 80 миллионов долларов: это 9-е место среди самых дорогих произведений искусства в истории. (Подробнее см. Топ-10 самых дорогих картин ). Работа Энди Уорхола «Зеленая автокатастрофа» (1963) (синтетический полимер, чернила для шелкографии и акрил на холсте) была продана на аукционе Christie's в Нью-Йорке в 2007 году за 71,7 миллиона долларов, что сделало ее 14-м самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных. . (Видеть20 самых дорогих картин ). Неплохо для произведения непритязательного искусства. Сообщается, что во время рецессии 2009 года неизвестный покупатель приобрел трафарет Энди Уорхола « Восемь Элвисов » (1964) за колоссальные 100 миллионов долларов (60,5 миллионов фунтов стерлингов) на частной продаже, что сделало его 5-м самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным. Известные американские поп-исполнители Джим Дайн - Роберт Индиана - Джаспер Джонс - Алекс Кац - Рой Лихтенштейн Джим Дайн был представителем неодадаизма и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (или «найденных объектах, составленных») и хеппенингах.. Впервые он привлек к себе внимание в 1959 году своими «Хэппенингами», которые он поставил в сотрудничестве с Класом Ольденбургом, Алланом Капроу и композитором-авангардистом и концептуалистом Джоном Кейджем. В 1962 году он вместе с Роем Лихтенштейном, Энди Уорхолом, Робертом Даудом, Филиппом Хеффертоном, Джо Гудом, Эдвардом Рушей и Уэйном Тибо был включен в важную выставку поп-арта в Пасадене. В течение 1960-х Дайн создал ряд произведений искусства с использованием предметов и образов поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности Дадаизма, как, например, в его инсталляции «Canticles to the Penis», которая была закрыта полицией в Лондоне за непристойность. |
|
|
Урожденный Роберт Кларк, он начинал как художник-абстракционист и скульптор по дереву, а затем присоединился к движению поп-арта в Нью-Йорке в 1954 году. Выброшенные трафареты побудили его исследовать ряд словесных искусств , добавляя буквы и слова (например, «Люби, ешь, умри»). ) в своих картинах, основу которых составлял декор автоматов для игры в пинбол. Он называл себя « американским художником знаков ».Он наиболее известен своим графическим изображением «Любовь» 1960-х годов, которое впервые появилось на рождественских открытках и марках. ". В 2008 году он создал новый образ, используя слово "Надежда", все доходы от которого были пожертвованы в фонд предвыборной кампании Барака Обамы. Вместе с Раушенбергом Джонс был пионером поп-арта в 1950-х годах. Переехав из Южной Каролины в Нью-Йорк в 1949 году, он впервые стал известен своими картинами с изображением американского флага (например, «Флаг», 1954-55), а также других стандартных графических изображений, таких как мишени и цифры. Он также был известен тем, что использовал энкаустику и гипсовый рельеф в своих картинах маслом.. После своих изображений флага он начал включать в свои картины реальные объекты, а также занялся скульптурой (например, «Банки с пивом», 1964). Его использование изображений и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали поп-художником, но его художественные высказывания (включая большое количество дюшановских пародий, парадоксов и противоречий) также привели к тому, что его творчество было описано как Нео. -Дадаист . Интеллектуальные и новаторские работы Джонса, более классического, живописного художника, чем многие другие молодые исполнители поп-музыки, полагавшиеся на методы современного коммерческого искусства, привлекли много похвал и покровительства. Со временем он изучил различные другие материалы, включая шелкографию и глубокую печать, а также литографии.. Сообщается, что в 1998 году Метрополитен-музей в Нью-Йорке заплатил 20 миллионов долларов за его работу «Белый флаг», а в 2006 году его работа «Фальстарт» была куплена частными коллекционерами за 80 миллионов долларов, что сделало ее самой дорогой картиной. живым художником. Уникальный фигуративный художник, хотя он также работал в гравюре и скульптуре, Кац был связан с поп-артом из-за его переработки традиционных тем в поп-идиоме. Он известен своим новаторским переосмыслением идей, используемых импрессионистами (особенно Эдуардом Мане, Клодом Моне и Жоржем Сёра), таких как различные эффекты света и сцены буржуазных искателей досуга, выполненные с использованием техники «мокрое по мокрому». рыхлая кисть. С другой стороны, некоторые из его работ представлены довольно мрачно, казалось бы, без эмоций или чувствительности. Рой Фокс Лихтенштейн (1923-97) Ведущий поп-художник с мгновенно узнаваемым стилем, его работы превратили графику комиксов в международный вид искусства. Начав как художник-абстракционист в 1950-х годах, преподавательская должность в Университете Рутгерса привела его к контакту с коллегой-учителем Алланом Капроу и вызвала его участие в искусстве поп-культуры. Он начал с того, что рисовал от руки версии рамок комиксов , дополненные текстовыми пузырями (например, «Смотри, Микки», 1961), и устроил аншлаг в нью-йоркской галерее Лео Кастелли ., в 1961 году. В следующем году его работы появились на обеих крупных выставках 1962 года в Пасадене и Нью-Йорке. К концу 1963 года Лихтенштейн начал привлекать внимание всего мира. Среди знаковых произведений того времени: «Утопающая девушка» (1963) и «Whaam!» (1963). В 1989 году на аукционе современного искусства Christies в Нью-Йорке картина Лихтенштейна «Торпедо... Лос!» продан за $5,5 млн — рекорд для артиста. Считается крупным скульптором в области поп-арта, известным своими инсталляциями, часто изображающими монументальные копии предметов повседневного обихода, особенно продуктов питания, таких как гамбургеры и рожки для мороженого . Работая в Нью-Йорке с 1956 года, Ольденбург познакомился с Алланом Капроу, Джимом Дайном и скульптором Джорджем Сигалом и увлекся хеппенингами и другими формами искусства перформанса и инсталляции . Среди отмеченных работ: «Двойной гамбургер» (1962), а также его гигантская помада, установленная в Йельском университете в 1969 году. Его главный вклад в поп-музыку, как и у Розенквиста, заключался в том, чтобы превратить обычные предметы в искусство. Живущий в основном в Нью-Йорке, Раушенберг, который вместе со своим бывшим любовником Джаспером Джонсом считался одним из лидеров неодадаистского искусства — раннего направления поп-арта, — учился в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине в 1948 году. , под руководством бывшего художника Баухауза Йозефа Альберса (известного своей серией «Посвящение площади»). В 1951 году он провел свою первую персональную выставку в галерее Бетти Парсонс, а в 1954 году провел вторую персональную выставку в галерее Чарльза Игана. Его часто называют членом нео-дадаизма из-за его связи с «реди-мейдами» Марселя Дюшана, он наиболее известен своими « Живописными комбинатами ».» 1950-х годов, состоящая из нетрадиционных материалов и предметов, представленных в новаторских комбинациях. В это время Раушенберг специализировался на использовании «найденных» материалов, таких как мусор и другой мусор, который он собирал на улицах Нью-Йорка. Однако с 1961 по 1962 год , он начал включать в свои работы изображения, а также найденные объекты, обычно фотографии, перенесенные на холст с помощью процесса шелкографии. Таким образом, его работы можно считать современниками работ Энди Уорхола. Раушенберг также работал в области художественной фотографии, гравюры, изготовление бумаги и производительность. Выдающийся поп-художник, Розенквист учился в Художественной школе Миннеаполиса, а затем в Университете Миннесоты. В 1955 году, в возрасте 21 года, он переехал в Нью-Йорк, чтобы учиться в Лиге студентов -художников , прежде чем работать художником на рекламных щитах. Используя свои приобретенные техники рисования вывесок для создания крупномасштабных картин, он сопоставил то, что казалось рекламой, с образами из романтических журналов, чтобы создать ощущение прерывности и иррациональности в качестве комментария к современной жизни. Заметной работой того времени была его картина размером с комнату «F-111» (1965). Как и Ольденбург, главный вклад Розенквиста в поп-музыку заключался в том, чтобы превратить обычные предметы в искусство, придав им монументальные размеры и вес. Парень из Оклахомы, ставший модным в Лос-Анджелесе в 1956 году, Руша обучался в Художественном институте Шуинара (ныне Калифорнийский институт искусств) до 1960 года (находясь под влиянием искусства Марселя Дюшана и Джаспера Джонса), прежде чем работать художником-макетчиком. для рекламного агентства Carson-Roberts в Лос-Анджелесе. В 1962 году его картины появились вместе с работами Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Роберта Дауда, Филиппа Хеффертона, Джо Гуда, Джима Дайна и Уэйна Тибо на новаторской выставке в Художественном музее Пасадены. Его ранние отмеченные работы, как правило, ледяные копии рекламных щитов и автозаправочных станций, включают: «Большая торговая марка с восемью прожекторами» (1961) и картина маслом «Стандартная станция, Амарилло, Техас» (1963). в котором были отголоски «Газа» Хоппера (1940). С середины 1960-х годов он стал известен своимиКартины со словами (также известные как Картины с жидкими словами). Многие считали Уорхола верховным жрецом поп-арта, он сделал успешную карьеру коммерческого иллюстратора, прежде чем обрел всемирную известность благодаря своим картинам в стиле поп, трафаретам, авангардным фильмам и образу жизни, в котором смешались голливудские звезды. интеллектуалы, художники-авангардисты и знаменитости андеграунда. Его мнение о влиянии телевидения — важнейшего фактора идентичности и популярности поп-арта — на искусство и жизнь метко выражено в его знаменитой фразе: « Каждый может стать известным за 15 минут ». В 1960-х годах он начал создавать картины с изображением культовых американских товаров, таких как банки с супом Кэмпбелл, бутылки Coca-Cola и долларовые банкноты , а также изображения мировых звезд , таких как Мэрилин Монро, Ингрид Бергман, Элизабет Тейлор и Элвис Пресли. Он также основал свою известную нью-йоркскую художественную студию, известную как « Фабрика », где он более чем на 30 лет предвосхитил методы массового производства Дэмиена Херста. Прежде всего, искусство Уорхола вращалось вокруг иконографии, ставшей известной благодаря телевидению, новостным фильмам и рекламе, такой как грибовидные облака атомной бомбы, электрические стулья в тюрьмах, автокатастрофы и расовые беспорядки. Поэтому его картины были мгновенно узнаваемы и вызывали массовый интерес. Частично затененный проблемами, связанными с его славой и образом жизни, статус Уорхола как новаторского и выдающегося творческого художника гарантирован, не в последнюю очередь благодаря тому, что он превратил обычные образы в иконы мирового искусства. Кроме того, он был исключительно плодовит, работая с широким спектром средств массовой информации, включая рисование , живопись, гравюры, фотографию и фильмы. Известные британские поп-исполнители Питер Блейк , Патрик Колфилд, Ричард Гамильтон Впервые идентифицированный как член зарождающегося британского движения поп-арта, когда он вместе с Дэвидом Хокни, Р.Б. Китаем и другими показал себя на выставке «Молодые современники» в 1961 году, Блейк привлек более широкое внимание, когда он снялся в «Поп идет за мольбертом». Фильм Кена Рассела 1962 года о британском поп-арте. Тем не менее, он по-прежнему наиболее известен благодаря дизайну обложки для альбома The Beatles " Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band ". |
|
|
Колфилд обучался в Школе искусств Челси в 1956 году и в Королевском колледже искусств (1960–1963), где среди его однокурсников были Дэвид Хокни и Р.Б. Китай. В 1964 году его работы были представлены на выставке «Новое поколение» в лондонской галерее Уайтчепел, которая впервые привлекла внимание к его причастности к британскому поп-арту. Он специализировался на картинах, в которых использовались обычные предметы, невозмутимые линии и цвета, взятые из словаря рекламы и дешевых иллюстраций, чтобы передать живую интенсивность и юмор. Его работы, часто фигуративные, характерно изображают несколько простых предметов в интерьере, выполненных с использованием плоских областей простого цвета (или одного оттенка), окаймленных черным контуром. Соучредитель Независимой группы в Институте современного искусства в Лондоне, дискуссионной группы художников, породившей поп-арт в Великобритании, он наиболее известен своим коллажем 1956 года под названием « Что делает сегодняшние дома такими разными?» Так привлекательно?" - теперь считается одним из первых образцов британского поп-арта. В середине 1950-х годов, после нескольких персональных выставок, Гамильтон начал преподавать в Ньюкасл-апон-Тайн, в течение которого он занимался исследовательским проектом современного французского художника Марселя. Дюшан , фигура, которой Гамильтон очень восхищается. В начале 1960-х он получил грант от Совета по делам искусств Великобритании на курирование и сохранение коллекции коллажей дадаистов Курта Швиттерса «Мерцбау» в Камбрии. Также работал в Лондоне как художник, учитель и активист CND, Гамильтон курировал крупную британскую ретроспективу творчества Дюшана в галерее Тейт в 1966 году. Кроме того, его контакты на современной музыкальной сцене привели к дружбе с Полом Маккартни, в результате чего Гамильтондизайн обложки ипостер к Белому альбому Битлз . Важный вклад в британское поп-арт 1960-х годов и блестящий рисовальщик, Дэвид Хокни — один из самых выдающихся британских художников двадцатого века. Он был представлен на выставке «Молодые современники» (1961), которая ознаменовала появление британского поп-арта, хотя его творчество никоим образом не ограничивалось этим стилем. В 1963 году он посетил Нью-Йорк, где познакомился с Энди Уорхолом. После этого он посетил Лос-Анджелес в Калифорнии, штат, который впоследствии на долгие годы стал его домом. Поездка в Лос-Анджелес вдохновила его на создание серии картин с изображением бассейнов ., используя новую среду акриловых красок. Картины выполнены в плоском, но очень реалистичном стиле с использованием ярких цветов. Известные работы 1960-х годов включают «Питер, выбирающийся из бассейна Ника» (1966), который в следующем году получил приз Джона Мурса в Художественной галерее Уокера в Ливерпуле; «Загорающая» (1966); и «Большой всплеск» (1967), который был куплен в 2006 году за 2,6 миллиона фунтов стерлингов, что является рекордом для картины Хокни. Один из основоположников британского поп-арта, Джонс использует простые фигуративные образы в сочетании с ярким, смелым цветом. Он наиболее известен своей эротической скульптурой (например, набор «Стул, стол и подставка для шляпы», 1969). Среди других известных работ: «Мокрая печать» (1966) и «Что ты имеешь в виду, что я имею в виду?» Он также художник-график и художник маслом. Эдуардо Луиджи Паолоцци (1924–2005) Основатель британского поп-арта, Паолоцци обучался в Эдинбургском колледже искусств (1943 г.), Школе искусств Святого Мартина (1944 г.) и Школе искусств Слэйда (1944-1947 гг.), прежде чем работать в Париже, Франция (1947 г.). -1949), где он познакомился и испытал влияние ряда известных художников, в том числе швейцарского скульптора Альберто Джакометти , бывшего дадаиста и сюрреалиста Жана Арпа, румынского скульптора Константина Бранкузи и кубистов Жоржа Брака и Фернана Леже. Его основополагающий коллаж « Я был игрушкой богатого человека».» (1947) относится к этому парижскому периоду. Вернувшись в Лондон, работая со скульптурами, конструкциями, коллажами и литографиями, в основном в сюрреалистическом стиле, его композиции включали самые разные предметы и материалы. Он был ведущим основателем Independent Группа в 1952 году, чьи дискуссии предвосхитили большую часть будущей школы поп-арта. Вот краткий избранный список известных произведений поп-исполнителей. • Я был игрушкой богатого человека (1947) Эдуардо Луиджи Паолоцци В 1980-е годы возродился интерес к поп-арту — явлению, известному как нео-поп (или «шок-поп-арт»). Это было не новое художественное движение как таковое, а скорее возрождение произведений искусства, основанных на популярной культуре, на этот раз происходящих из 1980-х годов. В то время как первоначальное движение поп-арта было полностью авангардным, неопоп-арт — это скорее повторение. Таким образом, исполнители нео-попа продолжают использовать «реди-мейды» и уже существующие предметы в своих работах, а также в значительной степени полагаются на таких знаменитостей, как Майкл Джексон, Мадонна, Бритни Спирс, Пэрис Хилтон и так далее. Они также черпают вдохновение в минимализме , концептуальном искусстве , фотореализме , инсталляции .Перформанс и многое другое. Во всяком случае, нео-поп — это просто более экстремальная версия Уорхола, Ольденбурга и Раушенберга. Ведущим представителем нео-попа является Джефф Кунс (1955 г. р.), о котором известный критик Роберт Хьюз написал, что: «Кунс действительно думает, что он Микеланджело, и не стесняется об этом говорить. Важно то, что есть коллекционеры, особенно в Америке, которые в это верят. У него скользкая самоуверенность, грубая болтовня о трансцендентности через искусство, как у высушенного феном баптиста, продающего болотные акры во Флориде. И в результате вы не можете представить исключительно развратную американскую культуру без него. " Отголоски критики в адрес Энди Уорхола и Дэмиена Херста? (В 2005 году Кунс был избран членом Американской академии искусств и наук.) Другими лидерами являются Катарина Фрич , Дэниел Эдвардс и Ясумаса Моримура . Культовые произведения нео-попа, оба написанные Джеффом Кунсом, включают «Майкл Джексон и Бабблз» (1988), проданный в 1991 году за 5,6 миллиона долларов, и «Щенок» (1992). См. также: Лучшие современные художники 2014 года . Эшли Бикертон, Рах Кроуфорд, Дэниел Эдвардс, Катарина Фрич, Кит Харинг, Дэмиен Херст, Гэри Хьюм, Джефф Кунс, Марк Костаби, Ингвар Ларсен, Аллан МакКоллум, Комар и Меламид, Кэди Ноланд, Чарльз Рэй, Кенни Шарф, Хаим Стейнбах, Гэвин Турок. • Кит Харинг • Дэвид Войнарович
Вода (1987) Работа в смешанной технике.
Смерть американской духовности (1987) Работа в смешанной технике. • Джефф Кунс • Ясумаса Моримура, • Мэтью Барни • Катарина Фрич • Памятник Дэниелу Эдвардсу |
|
• Дополнительную информацию о живописи/скульптуре 20-го века см. в Энциклопедии визуальных искусств .
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСТОРИИ ИСКУССТВ |
