Японское искусство
, керамика Дзёмон, искусство буддийских храмов, дзен-живопись тушью, свитки Ямато-э, гравюры укиё-э.
ГЛАВНЫЙ ИНДЕКС АЗ
|
Японское искусство
|
|
|
Японское искусство (ок. 14 500 г. до н.э. - 1900 г.)
|
|
ИСКУССТВО ВОСТОЧНОЙ АЗИИ |
«Дзёмон» — это название, данное древней глиняной посуде , изготовленной в Японии в эпоху доисторического искусства : то есть всем глиняным горшкам, сосудам и декоративным керамическим фигуркам, изготовленным с 14 500 г. до н.э. до примерно 100 г. до н.э. Таким образом, культура Дзёмон начинается в эпоху палеолитического искусства и продолжается в течение всего периода неолитического искусства (10 000–2 000 лет до н. э.). Фактически, термин «Дзёмон» теперь используется для обозначения всего периода японского искусства каменного века . Чтобы увидеть, как керамические изделия Дзёмон вписываются в хронологию гончарного дела во всем мире, см.: Хронология гончарного дела (26 000 г. до н.э. - 1900 г.). На сосуды Дзёмон почти наверняка повлияла китайская керамика , которая непрерывно производилась со времен пещерной керамики Сяньрэндун (18 000 г. до н.э.) и пещерной керамики Ючаньян (16 000 г. до н.э.). Около 14 500 г. до н.э. китайские технологии распространились через границу в Сибирь, о чем свидетельствует начало гончарного дела в бассейне реки Амур ., датируемый 14 300 г. до н.э., и, вероятно, также пересек Японское море на Хонсю. В любом случае мы знаем, что японская керамика также началась в это время, как видно из радиоуглеродных дат, полученных на древнейших стоянках Дзёмон, а именно: стоянке Одайямамото I (Тохоку) (14 540 г. до н.э.); Пещера Фукуи (Кюсю) (14000 г. до н.э.); и Камино (Канто) (13 500 г. до н.э.). Керамика Дзёмон развивалась в течение шести периодов: зарождение Дзёмон 14500-8000 до н.э.; Начальный Дзёмон 8000-5000 до н.э.; Ранний Дзёмон 5000-2500 гг. до н.э.; Средний Дзёмон 2500–1500 гг. До н.э.; Поздний Дзёмон 1500–1000 гг. До н.э.; Финальный Дзёмон 1000–100 гг. До н.э. Чтобы увидеть, как древнее японское искусство вписывается в эволюцию декоративно-прикладного искусства во всем мире, см.: Хронология доисторического искусства (от 2,5 миллиона до н. э.). Раннее керамическое искусство Дзёмон изготавливалось из необработанной глины, обожженной на костре на открытом воздухе. Формы сосудов ограничивались простыми мисками и кувшинами с заостренными или круглыми основаниями, а украшение сводилось к маркировке веревками на внешних поверхностях. Однако по мере развития неолита гончарное дело становилось более изощренным. (См. Также: Искусство неолита в Китае .: 7500-2000 гг. до н.э.) Таким образом, сосуды стали более разнообразными по форме, включая плоские основания и более богато украшенные типы украшений. Улучшились методы обжига и были введены примитивные печи, а социальные изменения привели к увеличению спроса на новые ассортименты керамических изделий. Со временем были созданы новые типы сосудов для использования в религиозных или ритуальных церемониях. Средний и поздний Дзёмон стал свидетелем распространения глиняных фигурок «догу» - ряда антропоморфных фигур, в том числе странных форм с выпученными глазами (см. Изображение слева). Япония является сокровищницей некоторых из величайших в мире скульптур , практически все они буддийские и поначалу сильно зависят от прототипов китайского искусства . Однако средневековое буддийское искусство в Японии часто гораздо лучше сохранилось, чем в Китае или Корее, и из-за отсутствия соответствующих примеров часто бывает трудно решить, является ли конкретное произведение религиозного искусства импортным или местным японцем. или иммигрантом. История Японии до прихода буддизма делится на три основные эпохи: Дзёмон (примерно 7500-200 гг. до н.э.), Яёи (200 г. до н.э. - 200 г. н.э.) и Тумулус (200-600 гг. н.э.). Из этих периодов в основном мелкомасштабная керамическая скульптура. выживает. Неолитические статуэтки Дзёмон сделаны из серой и красной глиняной посуды, черты их тела определяются гребнями и неглубокими надрезами , большими круглыми глазами, придающими жизнь абстрактному образу. ханива _найдены - керамические цилиндры, увенчанные фигурками слуг, женщин, животных и домов. Согласно древнему тексту, ханива заменяли живых людей и реальные предметы, которые в прежние времена сопровождали великих в могилу, хотя археология этого не подтвердила. Первая волна буддийского влияния пришла в Японию из королевства Пэкче в Корее; сообщается, что корейский король отправил императору Японии изображение Будды из позолоченной бронзы в 538 году. Император заявил, что глубоко тронут глубоким буддийским учением, но поскольку за ним пришла эпидемия, подарок был выброшен в канал. Однако больше изображений, а затем художников (в том числе одного известного мастера Тачито из Китая - см. Китайская буддийская скульптура ).), затем последовали, и к концу шестого века принц Сётоку, регент Японии, открыто приветствовал буддизм. Тогда, среди прочего, был основан знаменитый монастырь Хорю в районе Нара, и изображения стали изготавливаться в большом количестве. Сначала буддийская скульптура ограничивалась лишь несколькими сюжетами: Шака (исторический Будда), Якуши (исцеляющий Будда), Мироку (или Майтрейя, Будда будущего), Кваннон или Каннон (Бодхисаттва сострадания) и хранитель. цари севера, востока, юга и запада. Две буддийские троицы (будда в окружении двух бодхисаттв) в бронзе записаны рукой Тори, внука иммигранта Тачито, который был вознагражден за них более высоким социальным статусом. Стиль этой ранней японской скульптуры явно заимствован из китайских образцов (сравните, например, те, что в Лунмэне и Юнгане), часто привезенных в Японию через Корею, как, например, «Кудам (Пэкче) Каннон», традиционно приписываемый корейский художник. Формы несколько жесткие и удлиненные, сглаженные в мягко градуированные поверхности, украшенные каллиграфией свисающих складок и изящных складок на концах. (Примечание: чтобы увидеть, как искусство и ремесла в китайском стиле распространились по Восточной Азии, см.: Корейское искусство .) Подробнее о раннем китайском буддийском искусстве см.: Искусство периода шести династий (220–589) и Искусство династии Суй (589–618). В седьмом и восьмом веках дерево стало излюбленным материалом японских скульпторов. Он был вырезан и отполирован до плавно волнистых объемов, образованных плавными контурами, более или менее оживленными линейным узором. (См. также: Резьба по нефриту .) Однако одним из лучших образцов этого периода является бронзовая колоссальная отдельно стоящая буддийская троица в храме Якуси в Наре, вероятно, начала восьмого века. Линии драпировки свободно вьются вокруг великолепного и массивного Якуши; Бодхисаттвы тоже пухлые, олицетворяющие элегантность. Такие огромные изображения, вероятно, производные непосредственно от китайских танских прототипов, ныне утерянных, часто заказывались во времена Нара .период (710-84) от каждой провинции, чтобы отпраздновать прохождение чумы, воцарение императора и так далее; один, который сохранился в храме Тодай в Наре, состоит из почти пяти тонн металла, хотя фигуры полые, отлитые методом выплавляемых восков. Путеводитель по эстетическим принципам восточного искусства, на примере живописи, скульптуры и многочисленных ремесел в Китае, см.: Традиционное китайское искусство: характеристики . Другая жилка скульптуры из необожженной глины проявляется в свободно смоделированных маленьких фигурках скорбящих учеников в картине «Смерть Будды» (711 г.) в монастыре Хорю. Каждый ученик воспринимается как отдельная личность. Подобным реализмом наполнен великолепный портрет китайского монаха Гандзина, основателя монастыря Тошодай и широко почитаемого в Японии как своего рода святого. Похоже, что из Китая он привез с собой художников и новую волну влияния. Огромный Каннонв храме Тошадай высотой 5,5 метра (18 футов) с тысячей рук (на самом деле 953), создающих вокруг спокойного лика фантастический ореол, тоже из сухого лака. В то время как Ганьцзинь инициирует новую и мощную традицию портретной скульптуры, несомненно, связанную с тенденцией в Китае, кульминацией которой стали индивидуалистические фигуры Луохань, Каннон раскрывает новый тяжеловесный и статичный стиль с драпировкой тяжелыми изогнутыми складками. В период Хэйан (784-1185) начала процветать эзотерическая секта сингонских буддистов ; их длительные ритуалы требовали большого количества изображений, олицетворяющих разветвленный пантеон духовных сил, каждое из которых имело отличные, часто фантастически сложные атрибуты. В одиннадцатом веке скульпторы прибегали к технике ( ёсэги ) соединения секций резного дерева для создания все более сложных фигур. Сложные ритуалы, практикуемые во время сёгуната Камакура(1185-1392) больше не находились под покровительством государства, хотя для них продолжали делать много скульптуры, как крупной, так и высококачественной, со все более динамичным изобретением и настойчивым реализмом. Два великих резчика по дереву тринадцатого века, Ункэй и Кайкей , были известны; их статуи божеств-хранителей невероятно устрашающие. Буддийские храмы украшались не только скульптурой, но и фресками, вышитыми знаменами, узорчатыми шелками, иллюстрированными рукописями, рисунками и печатными свитками. Частным лицам принадлежали как миниатюрные версии изображений в храмах, так и небольшие переносные святыни, иногда вырезанные из драгоценных материалов. |
|
|
|
|
« Дзен » — это японское произношение китайского « чан » — энергичной, фундаменталистской буддийской секты, которая впервые процветала в Китае в эпоху искусства династии Тан (618–906). Он выступал за отказ от сложных обрядов и обязанностей традиционного буддизма, практиковавшихся в больших монастырях, с их огромным церемониальным аппаратом, их сокровищами картин и скульптур; Монахи дзэн искали просветления через личное посвящение, через аскезу и сосредоточенную медитацию, и рассчитывали достичь его в ходе обычной повседневной деятельности. Во времена сёгуната Камакура(1185-1332) Дзен-буддизм был принят большей частью класса воинов. Сёгунаты были военными диктатурами, правившими Японией от имени марионеточного императора, которого сёгунат вместе с его придворными считал изнеженным, легкомысленным, скованным церемониалом. Сёгунаты, напротив, поощряли дзен-буддизм и касту и кодекс самураев («воинов»), чья этика и доблесть были основаны на заповедях дзен. В их боевых искусствах меча, лука и копья значительную роль играла дисциплина дзэн, обучение, посредством которого можно было достичь просветления. Удары самурая должны были быть спонтанными и немедленными, без какой-либо посторонней мысли, вмешивающейся между потребностью и действием. Аналогичное качество культивировалось и в тушевой живописи. К четырнадцатому веку, в период Муромати (1333-1573), живопись тушью, особенно в том виде, в каком ее практиковали художники-жрецы дзэн, доминировала в искусстве Японии, как и в азиатском искусстве материкового Китая. Он был основан на живописи эпохи Сун Китая, выполненной тушью и мазком: чисто черная китайская тушь ( сузбоку ) была основным средством, и ее сюжеты также были взяты из китайского репертуара - прежде всего пейзажи и времена года, а также портреты .. Его эстетика требовала непосредственности видения, спонтанного отражения чувствительности к Природе — она была тесно связана с китайскими канонами, но достигалась дзенскими медитативными техниками. Этот китайский стиль постепенно утвердился в Японии рядом художников, среди которых Сюбун (действующий 14 век) и Бунсей (действующий 15 век); величайшим из них был Сэссю (1420–1506), который был, пожалуй, величайшим самобытно японским художником-тушью, хотя и на него, как и на его предшественников, по-прежнему оказывали сильное влияние великие художники эпохи искусства династии Сун (906 г. -1279), в том числе дзэнский монах Муци, но и художником династии Мин Дай Цзинем . Сообщается, что Сэссю, когда он учился в Китае (1467–1468), считался там величайшим из ныне живущих живописцев тушью. На самом деле линия кисти Сэссю была более резкой и угловатой, чем у художников династии Сун, выражая свой опыт Природы с большей свободой и более сильной личностью, отвергая академическую гармонию формы и духа, к которой тогда стремились китайские мастера. Последующие поколения японских художников должны были постоянно брать пример с него — не в последнюю очередь художники семейной школы Кано . Согласно традиции, основоположником школы Кано был Кано Масанобу (1434-1530), который начал рисовать в мягком стиле своего мастера Сюбуна, а затем развил более декоративную экспрессию в удивительно ясных и сбалансированных композициях, особенно в огромных сериях. в основном утеряны фрески и трафареты для дзенских монастырей. Его сын Кано Мотонобу (1476–1559) объединил стиль Кано в сильные и лирические очертания, отражающие его восхищение Сэссю, а также стилями великих мастеров Сунского Китая. Как и его отец, он работал в дзэнских монастырях и много сделал для того, чтобы школа Кано получила официальный статус при сёгунате. Огромные замки на возвышающихся каменных постаментах, построенные дворянами во время правления сёгунов Момояма (1568-1615) в ответ на импорт пушек, предлагали огромные площади стен для росписи - возможность, на которую художники Кано откликнулись с энергией и воображение. Великим гением был Кано Эйтоку .(1543-90), внук Мотонобу. Он привносил в приглушенный стиль живописи тушью насыщенный цвет и сусальное золото, характерные для светских декоративных традиций ямато-э, и на своих ширмах изображал огромные деревья или скалы, нарисованные широкими широкими линиями, на золотом, туманном, нематериальном фоне. задний план. к сожалению, мало что от его рук пережило разрушение дворцов и замков, в которых он работал. Есть также декоративные экраны, атмосферные, асимметрично спроектированные его современником Хасэгавой Тохаку .(1539-1610), который, однако, наиболее известен своей монохромной живописью и тонкостью его явно небрежной манеры письма. Школа Кано продолжала процветать и в восемнадцатом веке, постепенно теряя вдохновение. Строгий стиль дзэн в живописи получил новую жизнь в период Эдо (1615-1867), когда простота и прямота были вновь подтверждены Нитеном (1584-1645), художником тушью и фехтовальщиком-самураем, чья манера письма была соответствующей быстрой и краткой. . Яркая монохромная манера письма Нитена соответствовала манере его современников Сотацу (ум. 1643) и Коэцу .(1558-1637), которые были не только художниками тушью (хотя и не в стиле дзэн), но и художниками-декораторами, способствовавшими возрождению ямато-э. Концепция дзэн к тому времени уже не была такой строгой; чайная церемония, изначально проводившаяся монахами как созерцательный ритуал, стала культивироваться скорее как эстетическое, чем как религиозное занятие, и именно с периодов Момояма и раннего Эдо сохранились лучшие, слегка небрежно украшенные сосуды, связанные с ней. . Возрождение дзэн стимулировало также развитие аллюзивной, эпиграмматической 17-сложной стихотворной формы хайку и ее изобразительного аналога хайга , усовершенствованного поэтом-художником. Йоса Бусон (1716-83). Очень похожая эстетика повлияла на рисование, которое практиковали дзен-монахи, чтобы проверить их интуитивную проницательность - крайняя, «минимальная» версия принципа, который всегда руководил японской тушью, чтобы выразить больше с помощью наименьшего.
|
|
|
По существу светский способ рисования, который японцы называют ямато-э , «японская живопись», первоначально вырос из стилей китайской династии Тан, которые проникли в Японию и были ассимилированы в раннее средневековье. Первоначально это был придворный стиль, который явно отличался от живописи, непосредственно вдохновленной более поздним китайским образцом, который доминировал в искусстве во времена сёгунатов Камакура и Муромати.(1185-1573). Его более формальная, более декоративная, более красочная эстетика была полностью противоположна спонтанности, интуиции и личному самовыражению — обычно в монохроме — дзэнских живописцев тушью, хотя, как мы уже видели, эти два способа до некоторой степени взаимодействовали. Черты ямато-э рано проявляются в знаменитых портретах придворных сановников Фудзивара Таканобу (1141-1204), отражающих чрезвычайно строгие условности, регулирующие общение средневековой японской знати. Лица теперь кажутся сильно стилизованными, с акцентом на простой графический дизайн, оживляемый декоративными деталями. Однако в свое время их реализм вызвал скандал. Наиболее важными примерами ямато-э являются раскрашенные свитки. В период Хэйан (784-1185), вероятно, свитки танского буддизма, импортированные из Китая, вдохновили на создание длинных повествовательных свитков, эмакимоно , отражающих утонченные и культурные удовольствия императорского двора. Группа самых ранних и лучших из них иллюстрирует знаменитый роман XI века о придворной жизни леди Мурасаки ., «Повесть о Гэндзи», где сцены чередуются с отрывками текста. Фигуры, обведенные черными чернилами, нарисованы по формуле; именно их модные одежды определяют их личность и статус, а не лица, уменьшенные до пустых овалов, с носами, изображаемыми крючками, и глазами, крошечными черными галочками. Здания в основном без крыш и в такой проекции, чтобы можно было видеть внутренние сцены. Другие повествовательные свитки другого типа, но в родственном стиле были посвящены жизни японских буддийских святых или часто жестокой истории Японии, иногда преподносившейся сатирически, иногда очень драматично. Свитки Бан Дайнагон двенадцатого века , пожалуй, самые драматичные. Они замечательны тем, что последовательные эпизоды объединены в непрерывное изображение, перенесенное в бесчисленное количество живо нарисованных, оживших фигур, высотой едва ли миллиметры, по мере того, как длинный свиток разворачивался справа налево. Все классы людей, от дворян до крестьян, изображены в различных лихорадочных жестах, выражающих бурные эмоции. Умение изображать живой жанр с помощью пунктирной линии и декоративного цвета должно было практиковаться и энергично развиваться от этих ранних прототипов в длинной серии повествовательных свитков, дошедших практически до наших дней. В традиции доминировала семейная школа Тоса , созданная в консервативной и церемониальной среде священного императорского двора Киото . Ранние художники Тоса культивировали утонченную технику украшения поверхности с использованием богатой окраски и большого количества сусального золота; во время ранних сегунатов школа пришла в упадок, но ее декоративное великолепие вновь вошло в основное русло японской живописи в шестнадцатом и семнадцатом веках, будучи реанимированоТоса Мицунобу (1434-1525). На примере школы Тоса художники Коэцу и Сотацу (известные также своими экспериментами с тушью, см. выше) разработали в начале семнадцатого века в Киото красочный стиль, который подхватил Огата Корин (1658-1716) . , ярый поклонник Сотацу. Великолепно элегантные ширмы и свитки Корина сочетали в себе элементы традиционной образности китайской живописи .с японским фольклором, представленным в драматическом дизайне и с необыкновенным чувством цвета и текстуры. Он также рисовал, в отличие от формального великолепия своих чисто декоративных работ, живые натуралистические этюды. Последний и выдающийся период ямато-э датируется переселением сёгуната из Киото в Эдо , современный Токио, в 1615 году. ни религиозного выражения, но было чисто для удовольствия. Для их удовольствия возрожденный стиль ямато-э был применен к жанровым картинам , таким как ширмы Мацуура , населенные дамами в великолепных современных одеждах. Таков был бы предмет укиё-э; и главное средство художников укиё-э, гравюра на дереве , была разработана в Эдо семнадцатого века, в частности Моронобу .(c.1618-94), который был одним из первых, кто использовал этот процесс для книжной иллюстрации . Моронобу считал себя последователем традиции ямато-э и подписался соответственно. Эротическим искусством занимались все художники Эдо; Сигимура Дзихей (работавший в конце 17 века) делал великолепные гравюры с изображением эротических развлечений, которые пользовались большой популярностью.
Диапазон выражения ямато-э простирался от его ранней утонченной формальности до сентиментального, очень богатого и иногда грубого стиля Эдо; не последним из его многочисленных ответвлений было искусство лаковой живописи. Несколько известных художников экспериментировали с лаком, в том числе Коэцу и Корин в семнадцатом веке; Китайская лаковая посуда изготавливалась с древних времен и приобрела большую популярность в эпоху искусства династии Мин (1368-1644). В период Эдо японцы развили совершенно необычайное мастерство в росписи маленьких лаковых чашек и блюд, в частности аптечек с отделениями, известных как инро.. Они прикреплялись к поясу владельца шнуром, закрепленным нэцкэ , небольшой резьбой по дереву, слоновой кости или полудрагоценному камню. Будь то в рельефе или в круглой форме, в удивительно маленьком миниатюрном компасе японские мастера смогли создать удивительные, фантастические эффекты. |
|
|
Сюжет укиё-э , «изображения плывущего мира», сначала появился на ширмах и висячих свитках, но в конце семнадцатого века его подхватили ксилографы. Гравюры на дереве укиё-э , издававшиеся как иллюстрации к романам, так и самостоятельные изображения, изготавливались в мастерских мастерами-гравёрами по эскизам художников, а их типично каллиграфический стиль уже сформировался в раскрашенных вручную гравюрах Кайгецудо Андо ( деятельность 1700-14) и его сподвижников. На однофигурных картинах Кайгецудо Андо знаменитые красавицы Ёсивара, квартале публичных домов Эдо (ныне Токио), акцент был сделан на великолепных дизайнах кимоно, изображенных с проволочными изгибами и сильными, широкими углами в смелой двухмерной композиции. (См. Также: Гравюры на дереве .) Примерно в 1720 году появились лаковые оттиски, на которых некоторые части рисунка, такие как пояс кимоно, были окрашены глянцевыми чернилами, а другие части были покрыты клеем и посыпаны металлическим порошком - техника, использованная позже в этом веке Шараку . . Изобретение Судзуки Харунобу (1724-70) многоблочной цветной печати произошло в 1765 году. Образы Харунобу вращались вокруг хрупкого типа женщины, почти ребячливой, спотыкающейся по улице или изображенной дома, бездельничающей, или разговаривающей, или занимающейся любовь: именно Харунобу установил преобладающее настроение укиё-э во второй половине восемнадцатого века как видение повседневной реальности, облеченное элегантным очарованием. Среди множества выдающихся художников, работавших на первом этапе развития гравюры Эдо, были три гиганта: Корюсай , Киёнага и Утамаро . Сначала стиль Корюсай(активен в 1765-84 гг.) был очень близок к своему мастеру Харунобу, но после смерти Харунобу в 1770-х годах он начал работать в новом, более крупном формате (который вскоре стал стандартом для других художников) и начал длинную серию картин куртизанок-красавиц. Ёсивары, стоящего или прогуливающегося в одиночестве или с сопровождающими, чьи образы он представил в великолепных композициях, используя пучки линий для определения каскадов драпировок и широких складок. Он также был выдающимся в композициях с птицами и растениями и, как почти все другие художники Эдо, создавал гравюры, изображающие любовь в действии. Киёнага(1752-1815) специализировался на протяженных композициях фигур в архитектурных или пейзажных декорациях, пейзажи отличались удивительно тонкой воздушной перспективой. Его рисунки часто были непрерывными на нескольких листах - двух, трех или более, что делало расширенные повествования доступными для печати. Утамаро (1735-1806) часто считают величайшим гравером укиё-э. Он разработал новый тип женской красоты, широкотелый, мягкий, но сильный, выраженный широкими извилистыми линиями, а также использовал этот тип в своих иллюстрациях к японским легендам и фольклору. Он был богат на технические приемы, вводя эффекты, передающие прозрачность тканей, и отсекая фигуры границами композиции — прием, которому должны были восхищаться и которому должны были подражать импрессионисты . Этим художникам соперничало в конце восемнадцатого века более молодое поколение, в том числе таинственный Шараку (работал в 1794-95). Считается, что по профессии он был актером традиционного театра Но ; он обратился к гравюрам в течение десяти месяцев в 1794–1795 годах, создав не менее 136 замечательных портретов актеров кабуки. Его энергичный и проницательный рисунок сейчас нравится, но его резкие характеристики, похоже, не понравились публике в то время. Хокусай (1760-1849), напротив, имел чрезвычайно долгую карьеру: в последние годы своей жизни он подписался Старик, помешанный на рисовании , и он действительно был художником-экспериментатором, полным юмора и ценившим странности как жизни, так и искусства. Примерно до 1823 года он создавал относительно обычные гравюры с актерами и куртизанками, а в 1798 году — одну крошечную серию « Виды Эдо », его первые пейзажи. Затем между 1823 и 1829 годами он прославился своими «Тридцать шестью видами горы Фудзи».(позже сделано до 46 гравюр): ни один предыдущий художник укиё-э не проявлял такого прямого интереса к драме пейзажа, воплощенной в таком остроумном и смелом замысле. Он был чрезвычайно плодовит не только в гравюрах, но и в изображениях птиц и цветов, иллюстрированных поздравительных открытках и рисунках (его Манга ), собранных с 1814 года в 13 томах. Посмотрите его гору Фудзи в ясную погоду (около 1829 г.) в Британском музее в Лондоне. Хокусай был крупным художником, но также и фигурой переходного периода, связывающей восемнадцатый век с девятнадцатым. Под некоторым давлением цензоров тематика гравюр менялась. Хиросигэ (1797-1858) стал величайшим художником-пейзажистом. Его «Взгляды», хотя, безусловно, под влиянием стиля Хокусая, отказались от его бравурности и были полны поэтической атмосферы с сочувственным наблюдением за простыми людьми в их повседневных делах. Куниёси (1797-1861) разработал совершенно другой способ, богатый репертуар японских легенд, войну самураев. В наборах крупных гравюр, в том числе в триптихе . формате он проиллюстрировал героев, сражающихся с отвратительными силами и монстрами. Но работы Куниёси и Хиросигэ разнообразны; Западное влияние и снижение стандартов технических достижений подорвали качество японских гравюр примерно в то же время, когда западные художники начали жадно собирать их и включать их смелые рисунки и великолепные декоративные цвета в свои собственные работы. Для получения дополнительной информации о декоративно-прикладном искусстве, практикуемом в Азии, см. Следующее: • Индийская скульптура (3300 г. до н.э. – 1850 г.) Источник: Мы благодарим за использование материала в приведенной выше статье из замечательной книги Дэвида Пайпера «Иллюстрированная история искусства». |
|
• Наш основной указатель см.: Домашняя страница .
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА ВОСТОЧНОЙ АЗИИ |
