История
зарождения искусства и эволюция изобразительного искусства.
История
|
|
ИСТОРИЯ СКУЛЬПТУРЫ |
Содержание Хронологический обзор основных течений, стилей, периодов и художников, внесших свой вклад в эволюцию и развитие изобразительного искусства. ИСКУССТВО КАМЕННОГО ВЕКА (ок. 2 500 000 - 3 000 г. до н.э.) |
|
ПРОИСХОЖДЕНИЕ ИСКУССТВА |
ИСКУССТВО ПОСТРЕНЕССАНСА (c.1600-1850) Конкретную хронологию событий см.: Краткое руководство по стилям см. в разделе Художественные движения, периоды, школы . |
|
ИСТОРИЧЕСКАЯ ХРОНОЛОГИЯ ИСКУССТВО ИСКУССТВО |
|
ИСКУССТВО СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО
|
История искусства каменного века (2,5–3000 лет до н. э.)Доисторическое искусство происходит из трех эпох предыстории: палеолита, мезолита и неолита. Самым ранним зарегистрированным искусством являются петроглифы Бхимбетки (набор из 10 купул и гравюры или канавки), найденные в укрытии из кварцитовой скалы, известной как пещера Аудиториум в Бхимбетке в центральной Индии, датируемые по крайней мере 290 000 г. до н.э. Однако может оказаться, что он намного старше (ок. 700 000 г. до н.э.). За этим примитивным наскальным искусством не позднее 250 000 г. до н.э. последовали простые фигурки (например, Венера Берехат-Рам [Голанские высоты] и Венера Тан-Тан [Марокко]), а с 80 000 г. купулы _ в скальном приюте Дордонь в Ла Ферраси. Доисторическая культура и творчество тесно связаны с размером и эффективностью мозга, что напрямую влияет на «высшие» функции, такие как язык, творческое самовыражение и, в конечном счете, эстетика. Таким образом, с появлением «современных» художников и скульпторов homo sapiens (50 000 г. до н.э.), таких как кроманьонец и человек Гримальди, мы наблюдаем огромный всплеск великолепной позднепалеолитической скульптуры и живописи во Франции и на Пиренейском полуострове. Он включает в себя ряд миниатюрных тучных статуэток Венеры (например, Венеры Виллендорфской , Костенки , Монпазье , Долни-Вестонице ,Моравани , Брассемпуи , Гагарино и многие другие), а также резные фигурки из бивня мамонта, найденные в пещерах Фогельхерд и Холе-Фельс в Швабской Юре. Однако величайшим искусством доисторического периода является наскальная живопись в Шове, Ласко и Альтамире. |
|
РЕНЕССАНС ПОСТ-РЕНЕССАНС
Барокко |
|
СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО |
Эти фрески были написаны в пещерах, зарезервированных как своего рода доисторическая художественная галерея, где художники начали рисовать животных и сцены охоты, а также различные абстрактные или символические рисунки. Во Франции они включают монохромные изображения животных и абстрактные рисунки в пещере Шове , трафаретное искусство в пещере Коскер и полихромные изображения углем и охрой в Пеш-Мерле и Ласко . В Испании они включают полихромные изображения бизонов и оленей в пещере Альтамира в Испании. Основные примеры наскального искусства за пределами Европы включают: Произведения аборигенов Убирра .(от 30 000 г. до н.э.), рисунки фигур животных углем и охрой в пещере Аполлона-11 (от 25 500 г. до н.э.) в Намибии, картины Брэдшоу (от 17 000 г. до н.э.) в Западной Австралии и трафаретные изображения рук в Куэвас-де-лас-Манос (Пещера Рук) (с 9500 г. до н.э.) в Аргентине, среди многих других. Мезолитическое искусство (ок. 10 000–4 000 до н. э.) На фоне нового климата, улучшения условий жизни и вытекающих отсюда моделей поведения мезолитическое искусство отводит больше места человеческим фигурам, проявляет в своих картинах более острую наблюдательность и большую повествовательность. Кроме того, из-за более теплой погоды он перемещается из пещер на открытые площадки во многих местах Европы, Азии, Африки, Австралии и Америки. Мезолитические произведения искусства включают наскальные рисунки бушменов в районе Уотерберг в Южной Африке, картины в каменных убежищах Бхимбетки в Индии и искусство австралийских аборигенов из Арнемленда .. В нем также представлено больше трехмерного искусства, в том числе барельефы и отдельно стоящие скульптуры. Примеры последнего включают антропоморфные фигурки, обнаруженные в Невали-Кори и Гёбекли-Тепе недалеко от Урфы в восточной части Малой Азии, и статуи Лепенски Вира (например, Рыбного бога) в Сербии. Другими примерами переносного искусства эпохи мезолита являются браслеты, расписная галька и декоративные рисунки на функциональных предметах, а также древняя керамика японской культуры Дзёмон . Одним из величайших произведений мезолитического искусства является скульптура « Мыслитель из Чернаводы » из Румынии. Искусство эпохи неолита (ок. 4000–2000 до н. э.) В более «оседлую» и густонаселенную эпоху неолита наблюдался рост таких ремесел, как гончарное дело и ткачество . Это произошло во времена мезолита примерно с 9000 г. до н.э. в деревнях Южной Азии, после чего оно процветало в долинах рек Желтая и Янцзы в Китае (около 7500 г. до н.э.) - см. Искусство неолита в Китае - затем в плодородном полумесяце Тигра. и долины рек Евфрат на Ближнем Востоке (ок. 7000 г.) - «колыбель цивилизации ».' - до распространения в Индию (около 5000), Европу (около 4000), Китай (3500) и Америку (около 2500). Хотя большая часть искусства оставалась функциональной по своей природе, больше внимания уделялось орнаменту и декору. Например, в этот период впервые появляется каллиграфия — один из великих образцов китайского искусства. Подробности см. В Хронологии китайского искусства . Неолитическое искусство также включает отдельно стоящую скульптуру, бронзовые статуэтки (в частности, цивилизации долины Инда ), примитивные украшения и декоративные узоры на различных артефактах. Самой впечатляющей формой искусства позднего неолита была архитектура .: с крупными каменными сооружениями, известными как мегалиты , от египетских пирамид до проходных гробниц Северной Европы, таких как Ньюгрейндж и Ноут в Ирландии, а также скопления больших вертикальных камней (менгиров), таких как те, что находятся в Каменном круге Стоунхенджа . и круг Эйвбери в Англии. (Подробнее см.: мегалитическое искусство .) Однако основным средством неолитического искусства была керамическая посуда , лучшие образцы которой производились в районе Месопотамии (см. Месопотамское искусство ) и восточного Средиземноморья. Для получения дополнительной хронологии см .: Хронология керамики.. К концу этой эры в Шумере появляются иероглифические системы письма, возвещающие конец предыстории.
|
|
|
История искусства бронзового века (в Европе: 3000–1200 гг. до н. э.)Самые известные образцы искусства бронзового века появились в «колыбели цивилизации» вокруг Средиземноморья на Ближнем Востоке, во время подъема Месопотамии (современный Ирак), Греции, Крита (минойская цивилизация) и Египта. Появление городов, использование письменности и разработка более сложных инструментов привели к созданию гораздо более широкого спектра монументальных и портативных произведений искусства. Египетское искусство (с 3100 г. до н.э.) Египет, возможно, величайшая цивилизация в истории древнего искусства , был первой культурой, принявшей узнаваемый стиль искусства. Египетские художники изображали голову, ноги и ступни своих персонажей в профиль, а глаза, плечи, руки и туловище изображали спереди. Другие художественные условности устанавливали, как следует изображать богов, фараонов и обычных людей, регулируя такие элементы, как размер, цвет и образное положение. Серия замечательных египетских энкаустических восковых картин, известных как фаюмские портреты, дает захватывающее представление об эллинистической культуре Древнего Египта. Кроме того, уникальный стиль египетской архитектурыпоказал ряд массивных каменных погребальных камер, называемых пирамидами. Опыт египтян в камне оказал огромное влияние на более позднюю греческую архитектуру. Известные египетские пирамиды включают: Ступенчатую пирамиду Джосера (ок. 2630 г. до н. э.) и Великую пирамиду в Гизе (ок. 2550 г. до н. э.), также называемую пирамидой Хуфу или «пирамидой Хеопса». Шумерское искусство (с 3500 г. до н.э.) В Месопотамии и Древней Персии шумеры разрабатывали собственное уникальное здание — альтернативную форму ступенчатой пирамиды, называемую зиккурат . Это были не погребальные камеры, а рукотворные горы, призванные приблизить правителей и людей к их богам, которые, согласно легенде, жили высоко в горах на востоке. Зиккураты были построены из глиняных кирпичей, обычно украшенных цветной глазурью. См. шумерское искусство (ок. 4500–2270 до н. э.). Персидское искусство (с 3500 г. до н.э.) На протяжении большей части античности искусство древней Персии было тесно переплетено с искусством ее соседей, особенно Месопотамии (современный Ирак), и находилось под влиянием греческого искусства и находилось под его влиянием. Ранние персидские произведения портативного искусства представляют собой сложную керамику из Суз и Персеполя (ок. 3000 г. до н. э.), но двумя важными периодами персидского искусства были эпоха Ахеменидов (ок. 550-330 гг. до н. э.), примерами которой являются монументальные дворцы в Персеполе и Сузы, украшенные скульптурой, каменными рельефами и знаменитым «Фризом лучников» (Лувр, Париж), созданным из эмалированного кирпича, — и эпоха Сасанидов (226–650 гг. н. э.), известная своей высокодекоративной каменной мозаикой , золотом и серебром . посуда, фрески ииллюминированные рукописи , а также такие ремесла, как ковроткачество и шелкоткачество . Но величайшими реликвиями сасанидского искусства являются наскальные скульптуры , вырезанные из крутых известняковых скал в Так-и-Бустане, Шахпуре, Накш-э-Ростаме и Накш-э-Раджабе. Минойское искусство (ок. 2100–1425 гг. до н. э.) Первое важное направление эгейского искусства , созданное на Крите минойцами, уходит своими корнями в дворцовую архитектуру в Кноссе, Фесте, Акротири, Като-Закросе и Маллии, которые были построены с использованием комбинации камня, сырцового кирпича и гипса и украшены с красочными фресками и фресками, изображающими мифологические символы животных (например, быка), а также ряд мифологических повествований. минойское искусствотакже есть резьба по камню (особенно камни-печати) и изделия из драгоценных металлов. За минойским протодворцовым периодом (ок. 1700 г. до н. э.), закончившимся сильным землетрясением, последовал еще более богато украшенный неодворцовый период (ок. 1700-1425 гг. землетрясений в 1425 году. Минойские мастера также известны своей керамикой и росписью ваз , в которой присутствует множество морских и морских мотивов. Этот акцент на природе и событиях, а не на правителях и божествах, также очевиден в минойских дворцовых фресках и скульптурах. Металлоконструкции бронзового века Названный в честь металла, который сделал его процветающим, период бронзового века стал свидетелем множества замечательных металлических изделий , сделанных из самых разных материалов. Примером этой формы металлургии являются два выдающихся шедевра: «Баран в зарослях» (около 2500 г. до н.э., Британский музей, Лондон) — небольшая иракская скульптура, сделанная из сусального золота, меди, лазурита и красного известняка; и «Майкопский золотой бык» (ок. 2500 г. до н.э., Эрмитаж, Санкт-Петербург) — миниатюрная золотая скульптура майкопской культуры, Северный Кавказ, Россия. См. Также: ассирийское искусство (ок. 1500–612 до н. э.) и хеттское искусство (ок. 1600–1180 до н. э.). В этот период также появились китайские изделия из бронзы.(с 1750 г. до н.э.) в виде бронзовых бляшек и скульптур, часто украшенных нефритом, из бассейна Хуанхэ в провинции Хэнань, Центральный Китай. О цивилизациях бронзового века в Америке см .: Доколумбовое искусство , охватывающее искусство и ремесла мезоамериканской и южноамериканской культур.
|
|
|
История искусства железного века и классической античности (ок. 1500–200 гг. до н. э.) Искусство классической античности в этот период пережило огромный рост, особенно в Греции и во всем восточном Средиземноморье. Это совпало с подъемом эллинской (находящейся под греческим влиянием) культуры. Микенское искусство (ок. 1500–1100 до н. э.) Хотя Микены были независимым греческим городом на греческом Пелопоннесе, термин «микенская» культура иногда используется для описания раннего греческого искусства в целом в конце бронзового века. Изначально микенское искусство находилось под сильным влиянием минойской культуры. постепенно достиг собственного баланса между живым натурализмом Крита и более формальным художественным языком материка, о чем свидетельствуют его многочисленные темперные фрески, скульптура, керамика, резные драгоценные камни, ювелирные изделия, стекло, украшения и изделия из драгоценного металла. Также, в отличие от минойской культуры «морской торговли», микенцы были воинами, поэтому их искусство было призвано в первую очередь прославлять своих светских правителей. Он включал в себя несколько гробниц толос, наполненных золотыми изделиями, декоративным оружием и драгоценными украшениями. Древнегреческое искусство (ок. 1100–100 гг. до н. э.) Древнегреческое искусство традиционно делят на следующие периоды: (1) Средневековье (ок. 1100–900 гг. до н. э.). (2) Геометрический период (ок. 900–700 гг. до н. э.). (3) Период восточного стиля (ок. 700–625 гг. до н. э.). (4) Архаический период (ок. 625–500 гг. до н. э.). (5) Классический период (ок. 500–323 гг. до н. э.). (6) Эллинистический период (ок. 323–100 гг. до н. э.). К сожалению, почти вся греческая живопись и огромная часть греческой скульптуры были утеряны, оставив нам коллекцию руин или римских копий. Греческая архитектура тоже во многом известна нам по своим руинам. Несмотря на этот крошечный наследие, греческие художники по-прежнему высоко ценятся, что свидетельствует о том, насколько они были действительно продвинутыми. Как и все мастера Средиземноморья, древние греки заимствовали ряд важных художественных приемов у своих соседей и торговых партнеров. Тем не менее, после смерти македонского императора Александра Великого в 323 г. до н. э. греческое искусство в целом считалось лучшим из когда-либо созданных. Даже римляне, несмотря на их потрясающие инженерные и военные навыки, так и не смогли полностью преодолеть чувство неполноценности перед лицом греческого мастерства и (к счастью для нас) усердно копировали греческие произведения искусства. Семнадцать столетий спустя греческая архитектура, скульптурные рельефы, статуи и керамика будут заново открыты в эпоху итальянского Возрождения и более 400 лет станут краеугольным камнем западного искусства. Темные века Греческая архитектура классического периода Эллинизм Греческая керамика Греческая керамика возникла намного раньше, чем другие формы искусства: к 3000 г. до н. э. Пелопоннес уже был ведущим центром гончарного дела. Позже, после захвата материковой Греции индоевропейскими племенами около 2100 г. до н.э., была введена новая форма керамики, известная как миньянская посуда. Это был первый греческий шрифт, сделанный на гончарном круге. Несмотря на это, именно минойская керамика на Крите с ее новым стилем темного на светлом преобладала во 2-м тысячелетии до нашей эры. Однако впоследствии греческие гончары вернули себе инициативу, представив ряд ослепительных нововведений, в том числе: керамику с красивыми пропорциями в геометрическом стиле (900-725 гг.), а также в восточном стиле (725-600 гг.).Черно- фигурный (600-480) и краснофигурный (530-480) стили. Известные греческие керамисты включают Эксекиаса, Клейтиаса, Эрготимоса, Неарха, Лидоса, художника Амасиса, Андокида, Евфимида и Софилоса (все с черными фигурами), а также Дуриса, Бригоса и Онисима (с красными фигурами). Этрусское искусство (ок. 700–90 до н. э.) В Этрурии, Италия, более старая виллановская культура уступила место этрусской цивилизации около 700 г. до н.э. Это достигло своего пика в шестом веке до нашей эры, когда их города-государства получили контроль над центральной Италией. Подобно египтянам, но в отличие от греков, этруски верили в загробную жизнь, поэтому гробницы или погребальное искусство были характерной чертой этрусской культуры. Этрусские художники также были известны своей фигуративной скульптурой из камня, терракоты и бронзы. Прежде всего, этрусское искусство славится своей «радостью жизни», примером которой являются живые фрески , особенно на виллах богатых. Кроме того, мастерство этрусских ювелиров высоко ценился в Италии и за ее пределами. Этрусская культура, на которую сильно повлияли греческие стили, оказала заметное влияние на другие культуры, особенно на стили кельтского искусства Гальштата и Ла Тене. Этрусская культура пришла в упадок с 396 г. до н.э., поскольку ее города-государства были поглощены Римской империей.
Кельтское искусство (ок. 600–100 гг. до н. э.) Примерно с 600 г. до н.э. мигрирующие языческие племена из русских степей, известные как кельты, обосновались по обе стороны Верхнего Дуная в Центральной Европе. Кельтская культура , основанная на исключительных торговых навыках и раннем освоении железа, способствовала их постепенному распространению по всей Европе и привела к появлению двух стилей кельтского искусства , артефакты которых известны нам благодаря нескольким ключевым археологическим памятникам в Швейцарии и Австрии. Два стиля - Гальштат (600-450) и Латен .(450-100). И то, и другое было продемонстрировано красивой металлической обработкой и сложным линейным дизайном. Хотя к началу 1-го тысячелетия н.э. большинство языческих кельтских художников были полностью поглощены Римской империей, их традиции спиральных, зооморфных, узловых и переплетенных рисунков позже возродились и процветали (600-1100 гг. н.э.) во многих формах гиберно-саксонского искусства. см. ниже), такие как иллюминированные рукописи Евангелия, религиозные изделия из металла и скульптура Высокого Креста. Известные примеры кельтского искусства металлоконструкций включают котел Гундеструп, корону Петри и золотой торк Брайтера. Римское искусство (ок. 200 г. до н. э. – 400 г. н. э.) Архитектура В отличие от своих интеллектуальных греческих соседей, римляне были прежде всего практичными людьми с естественной склонностью к инженерному делу, военному делу и имперскому строительству. Римская архитектурабыл разработан, чтобы восхищать, развлекать и обслуживать растущее население как в Италии, так и во всей их Империи. Таким образом, достижения римской архитектуры иллюстрируются новыми дренажными системами, акведуками, мостами, общественными банями, спортивными сооружениями и амфитеатрами (например, Колизей 72-80 гг. н.э.), характеризующимися значительным прогрессом в материалах (например, изобретение бетона) и в строительство арок и куполов крыш. Последнее не только позволяло крыть более крупные здания, но и придавало внешнему виду гораздо большее величие и величие. Все это произвело революцию в области архитектуры, где доминировали греки, по крайней мере, по форме и размеру, если не по творчеству, и предоставило бесконечные возможности для украшения в виде скульптурных рельефов, статуй, фресок, и мозаики. Самые известные образцы римской архитектуры включают в себя: массивный Колизей, арку Тита и колонну Траяна. Живопись, Скульптура Если римская архитектура была исключительно грандиозной, то ее картины и скульптуры продолжали подражать греческому стилю, за исключением того, что ее главной целью было прославление могущества и величия Рима. Раннее римское искусство (ок. 200–27 гг. до н. э.) было детализированным, неидеализированным и реалистичным, в то время как более поздние имперские стили (ок. 27 г. до н. э. — 200 г. н. э.) были более героическими. Посредственная живопись процветала в виде стандартных фресок для дизайна интерьера, в то время как более качественная роспись панелей выполнялась темперой или энкаустическими пигментами. Римская скульптура тоже разная по качеству: как и десятки тысяч портретных бюстов среднего качестваимператоров и других высокопоставленных лиц, римские скульпторы также создали некоторые изумительные исторические рельефные скульптуры, такие как спиральный барельеф на колонне Траяна , посвященный победе императора в войне с даками.
Раннее искусство со всего мира Хотя обычно считается, что история искусства в основном связана с цивилизациями, происходящими из европейской и китайской культур, значительное количество декоративно-прикладного искусства появилось с самых ранних времен на периферии известного мира. Для получения дополнительной информации об истории и артефактах этих культур см.: Океаническое искусство (из южной части Тихого океана и Австралазии), африканское искусство (из всех частей континента) и племенное искусство (из Африки, островов Тихого океана, Индонезии, Бирмы, Австралазии). , Северная Америка и Аляска). |
История средневекового искусстваКонстантинополь, христианство и византийское искусство Со смертью в 395 г. н.э. императора Феодосия Римская империя была разделена на две половины: западная половина, первоначально базировавшаяся в Риме , пока она не была разграблена в 5 веке н.э., затем Равенна ; и восточная половина, расположенная в более безопасном городе Константинополе . В то же время христианство стало исключительной официальной религией империи. Эти два политических события оказали огромное влияние на историю западного искусства. Во-первых, переезд в Константинополь помог продлить греко-римскую цивилизацию и культуру; во-вторых, рост христианства привел к совершенно новой категории христианского искусства .который дал архитекторам, художникам, скульпторам и другим мастерам то, что стало доминирующей темой в изобразительном искусстве на следующие 1200 лет. Наряду с прототипами форм раннехристианского искусства , большая часть которых пришла из катакомб, это также привело непосредственно к появлению византийского искусства. Смотрите также: Христианское искусство, Византийский период . Искусство Византии (Константинополь) (330-1450 гг. н.э.) Византийское искусство было почти полностью религиозным искусством и было сосредоточено вокруг его христианской архитектуры. Шедевры включают потрясающий собор Святой Софии (532-37 гг.) в Стамбуле; церковь Святой Софии в Софии, Болгария (527-65); и церковь Святой Софии в Салониках. Византийское искусство также повлияло на мозаики Равенны .в базиликах Сант-Аполлинаре-Нуово, Сан-Витале и Сант-Аполлинаре-ин-Класс. Светские примеры включают: Большой Константинопольский дворец и Цистерну Базилика. Помимо новых архитектурных приемов, таких как использование подвесок для распределения веса потолочного купола, что позволило увеличить интерьер, были введены новые декоративные методы, такие как мозаика из стекла, а не из камня. Но восточно-православная разновидность христианства (в отличие от своего аналога в Риме) не допускала трехмерных произведений искусства, таких как статуи или горельефы, полагая, что они прославляют человеческий аспект плоти, а не божественную природу духа. Таким образом, византийское искусство (например, живопись, мозаичные произведения) разработали особый стиль осмысленных образов (иконографию), призванный очень просто представить сложное богословие. Например, цвета использовались для выражения разных идей: золото представляло Небеса; синий, цвет человеческой жизни, и так далее. После 600 г. н.э. византийская архитектура прошла через несколько периодов, таких как Средний период (ок. 600-1100 гг.) украшение. В Западной Европе византийская архитектура была вытеснена романским и готическим стилями, в то время как на Ближнем Востоке она продолжала оказывать значительное влияние на раннюю исламскую архитектуру, о чем свидетельствуют Великая мечеть Омейядов в Дамаске и Купол Скалы в Иерусалиме. Византийская Живопись В отсутствие скульптуры византийские художники специализировались на двухмерной живописи, став мастерами панно , включая миниатюры , особенно иконы , и иллюминацию рукописей . Их работы оказали огромное влияние на художников Западной и Центральной Европы, а также исламских стран Ближнего Востока. Ирландское христианское искусство (ок. 600–1100 гг. Н. Э.) Расположенная на отдаленной периферии Западной Европы, Ирландия оставалась свободной от вмешательства ни Рима, ни последовавших за ним варваров. В результате ирландское кельтское искусство не было вытеснено греческими или римскими идиомами и не было похоронено в языческих темных веках. Кроме того, церкви удалось создать относительно безопасную сеть ирландских монастырей, которые быстро стали важными центрами религиозного образования и науки и постепенно распространились на острова за пределами Британии и в некоторых частях Северной Англии. Эта монашеская сеть вскоре стала крупным покровителем искусств, привлекая в свои скриптории многочисленных писцов и художников для создания серии все более богато украшенных иллюминированных евангельских рукописей .: примеры включают: Катах Колмсилья (ок. 560 г.), Книгу Диммы (ок. 625 г.), Даремские Евангелия (ок. 650 г.), Книгу Дарроу (ок. 670 г.) и высшую Келлскую книгу ( также называемая Книгой Колумбы), считающаяся апогеем западной каллиграфии. В этих евангельских иллюминациях использовался ряд исторических букв, ромбов, крестов, украшений для труб, изображений птиц и животных, иногда занимавших целые страницы (ковровые страницы) геометрических или чересстрочных узоров. Творческий успех этих украшенных манускриптов был значительно увеличен доступностью кельтских украшений и изделий из металла, изготовленных для ирландской светской элиты, а также расширением культурных контактов с англосаксонскими мастерами в Англии. Другой раннехристианской формой искусства, развитой в Ирландии, были религиозные изделия из металла, примером которых являются такие шедевры, как брошь Тара, чаша Арда, чаша Дерринафлан и святилище Пояса Мойлоу, а также кресты для процессий, такие как Крест Талли Лох 8-го/9-го века и великий Крест Конга XII века, заказанный Терлоу О'Коннором. Наконец, с конца VIII века Церковь начала вводить в эксплуатацию ряд больших религиозных крестов, украшенных как сценами из Библии, так и абстрактным переплетением, вышивкой и другими узорами в кельтском стиле. Примеры включают Крест Мюредаха в Монастербойсе, графство Лаут, и Высокий крест Ахенни в Типперэри. Эти священные высокие кресты процветали между 900 и 1100 годами, К сожалению, с появлением викингов (ок. 800-1000) уникальный ирландский вклад в западную цивилизацию в целом и христианство в частности начал исчезать, несмотря на некоторый вклад искусства викингов . После этого римская культура, движимая Римской церковью, начала вновь заявлять о себе по всей Европе. Слово об азиатском искусстве В отличие от христианства, допускающего образное изображение пророков, святых и Святого семейства, ислам запрещает все формы человеческой иконографии. Таким образом , исламское искусство вместо этого сосредоточилось на разработке сложных геометрических узоров, иллюминированных текстов и каллиграфии . В Восточной Азии изобразительное искусство Индии и Тибета включало использование ярких фигур (из-за их широкого спектра пигментов) и четких очертаний. Живопись в Индии была чрезвычайно разнообразна, как и материалы (более прочный текстиль часто заменял бумагу) и размеры (специальностью были индийские миниатюры). Китайское искусство специализировалось на церемониальной бронзовой скульптуре, каллиграфии и живописи кистью и резьбе по нефриту , а также на лаковых изделиях и китайской керамике . В Японии буддийское храмовое искусство, дзен-живопись тушью, гравюры на дереве Ямато-э и укиё-э были четырьмя основными видами японского искусства . Романское искусство (каролингское, оттонское) (ок. 775-1050) На континенте возрождение средневекового христианского искусства началось с Карла I , короля франков, который был коронован императором Священной Римской империи папой Львом III в 800 году. Придворные скриптории Карла Великого в Аахене произвели ряд великолепных иллюстрированных христианских текстов, таких как : Евангелист Godscalc, Евангелия Лорша и Евангелия святого Медара Суассонского. По иронии судьбы, его главная архитектурная работа - Палатинская капелла в Аахене (ок. 800 г.) - находилась под влиянием не собора Святого Петра или других церквей в Риме, а базилики Сан-Витале в византийском стиле в Равенне. Каролингская империя быстро распалась, но каролингское искусствостал важным первым шагом в распространении средневекового искусства и возрождении континентальной культуры. Кроме того, многие романские и готические церкви были построены на фундаменте каролингской архитектуры. Ранние романские архитектурные достижения Карла Великого были продолжены императорами Священной Римской империи Оттоном I-III в стиле, известном как оттоновское искусство , которое превратилось в полноценный «романский». (В Англии и Ирландии романский стиль обычно называют нормандской архитектурой.) Церковь инвестирует в искусство, чтобы передать свое послание Распространение романского искусствав 11 веке совпало с восстановлением римского христианства, и влияние последнего на светские власти привело к христианскому повторному завоеванию Испании (ок. 1031 г.), а также к Крестовому походу с целью освободить Святую Землю от власти ислама. Успех крестоносцев и приобретение ими святых реликвий вызвало волну новых соборов по всей Европе. В дополнение к своему влиянию на международную политику Рим обладал растущей властью через свою сеть епископов и связи с монашескими орденами, такими как бенедиктинцы, цистерцианцы, картезианцы и августинские каноники. Из этих монастырей его чиновники осуществляли растущую административную власть над местным населением,строительство соборов (включая скульптуру и изделия из металла, а также архитектуру), освещенные евангельские рукописи и культурная наука - пример мощного бенедиктинского монастыря в Клюни в Бургундии. Романская архитектура (ок. 1000–1200 гг.) Хотя романская архитектура основана на греческой и римской древности, она не продемонстрировала ни творчества греков, ни инженерных навыков римлян. В них использовались толстые стены, круглые арки, опоры, колонны, крестовые своды, узкие окна-щели, большие башни и декоративные аркады. Основную нагрузку здания несли не своды и колонны, а массивные стены. А его крыши, своды и контрфорсы были относительно примитивны по сравнению с более поздними стилями. Прежде всего, интерьеры были тусклыми и сравнительно окружены тяжелыми каменными стенами. Тем не менее, романская архитектура вновь представила две важные формы изобразительного искусства: скульптуру . (который находился в бездействии после падения Рима) и витражи , хотя и в меньших масштабах. Готическое искусство (ок. 1150-1400) В значительной степени финансируемая монашескими орденами и местными епископами, готическая архитектура использовала ряд технических достижений в остроконечных арках и других факторах дизайна, чтобы вызывать благоговение, вдохновлять и просвещать массы. Таким образом, на смену массивно толстым стенам, маленьким окнам и тусклым интерьерам пришли парящие потолки («тянущиеся к небесам»), тонкие стены и витражи. Это превратило интерьер многих соборов в вдохновляющие святилища, где неграмотные прихожане могли увидеть библейскую историю, иллюстрированную красивыми витражами .своих огромных окон. Действительно, архитекторы видели в готическом соборе вселенную в миниатюре. Почти каждая черта была предназначена для того, чтобы передать теологическое послание: а именно, ужасающую славу Бога и упорядоченную природу Его вселенной. Религиозное готическое искусство , то есть архитектура, рельефная скульптура и скульптура, лучше всего иллюстрируется соборами Северной Франции, особенно Нотр-Дам- де-Пари; Реймс и Шартр , а также Кельнский собор, Венский собор Святого Стефана и, в Англии, Вестминстерское аббатство и Йоркский собор . |
История искусства эпохи Возрождения (ок. 1300-1620)Европейское возрождение изобразительного искусства между 1300 и 1600 годами, получившее сильное влияние интернациональной готики , широко известное как «Ренессанс», было уникальным и (во многих отношениях) необъяснимым явлением, не в последнюю очередь из-за (1) чумы Черной смерти ( 1346 г.), уничтоживший треть населения Европы; (2) 100-летняя война между Англией и Францией (1339-1439) и (3) Реформация (около 1520 г.) - ни одна из которых не способствовала развитию изобразительного искусства. К счастью, некоторые факторы в самом сердце эпохи Возрождения во Флоренции и Риме, в частности, энергия и огромное богатство флорентийской семьи Медичи, а папские амбиции папы Сикста IV (1471-84), папы Юлия II (1503-13), папы Льва X (1513-21) и папы Павла III (1534-45) - сумели преодолеть все естественные препятствия, даже если Церковь была почти банкротом в этом процессе. Искусство эпохи Возрождения было основано на классицизме - оценке искусства классической античности, вере в благородство человека, а также художественных достижениях как в линейной перспективе, так и в реализме. Он развивался в трех основных итальянских городах: сначала во Флоренции , затем в Риме и, наконец, в Венеции . Хронология эпохи Возрождения обычно указывается следующим образом: • Проторенессанс
(около 1300-1400 гг.) • Раннее Возрождение (ок. 1400–1490 гг.) Частично вызвано • Высокое Возрождение (c.1490-1530) Высокое Возрождение,
считающееся апогеем итальянского Возрождения и его эстетических идеалов красоты и гармонии, было сосредоточено в Риме и доминировало в живописи Леонардо да Винчи (1452-1519) (напр . "Тайная вечеря", "Мона Лиза") и Рафаэля (1483-1520) (напр. "Афинская школа"), а также бессмертные произведения Микеланджело (1475-1564) (в том числе шедевры итальянской скульптуры эпохи Возрождения ). Архитектура эпохи Возрождения использовала принципы, полученные из Древней Греции и Рима, но сохранила многие современные черты византийского и готического изобретения, такие как купола и башни. Среди важных архитекторов: Донато Браманте . (1444-1514) крупнейший представитель архитектуры Высокого Возрождения; Бальдассаре Перуцци (1481–1536), выдающийся архитектор и дизайнер интерьеров; Микеле Санмикели (1484–1559), ведущий ученик Браманте; Якопо Сансовино (1486-1570), самый знаменитый венецианский архитектор; Джулио Романо (1499–1546), главный специалист по проектированию зданий в стиле позднего Возрождения в Италии; Андреа Палладио (1508-1580), влиятельный теоретик; и, конечно же, сам Микеланджело, который помог спроектировать купол базилики Святого Петра в Риме . • Северное Возрождение (ок. 1400-1530 гг.)
В Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия) Возрождение развивалось иначе. Влажный климат, неподходящий для фресковой живописи, способствовал раннему использованию масел, в то время как разные навыки и темперамент привели к раннему развитию гравюры . Среди величайших скульпторов Северного Возрождения были: немецкий скульптор по липовому дереву Тильман Рименшнайдер (1460-1531), известный своими рельефами и отдельно стоящей деревянной скульптурой; и резчик по дереву Фейт Стосс (1450-1533), известный своими изысканными запрестольными образами.
• Маньеризм (1530-1600)
Этот стиль возник отчасти как реакция на идеалистические формы Высокого Возрождения, отчасти как отражение смутного времени – Мартин Лютер начал Реформацию, а сам Рим только что был разграблен наемниками. Художники-маньеристы привнесли в свои работы новую выразительность, примером чему служат чудесная скульптура «Похищение сабинянок » Джамболоньи и фреска Микеланджело «
Страшный суд » в Сикстинской капелле. Другие важные представители маньеризма включают Эль Греко (ок. 1541-1614) и Караваджо .
|
История постренессансного искусстваИскусство барокко (ок. 1600-1700) Именно в этот период началась католическая Контрреформация, пытавшаяся отвлечь массы от протестантизма. Возобновление покровительства изобразительному искусству и архитектуре было ключевой чертой этой пропагандистской кампании и привело к более грандиозному и театральному стилю в обеих областях. Этот новый стиль, известный как искусство барокко , был фактически кульминацией драматического маньеризма. Архитектура барокко в полной мере использовала театральный потенциал городского пейзажа, примером которого является площадь Святого Петра (1656-67) в Риме перед куполом собора Святого Петра. Архитектор Джанлоренцо Бернини (1598-1680) использовал расширяющуюся серию колоннад на подходе к собору, создавая у посетителей впечатление, что они находятся в объятиях католической церкви. Весь подход построен в гигантском масштабе, чтобы вызвать чувство благоговения. В живописи величайшим представителем католического искусства Контрреформации был Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - «принц художников и живописец принцев». Среди других ведущих католических художников были Диего Веласкес (1599-1660), Франсиско Сурбаран (1598-1664) и Николя Пуссен (1594-1665). В протестантской Северной Европе эпоха барокко была отмечена расцветом жанровой живописи голландского реализма , стиля, уникально подходящего для новых буржуазных покровителей небольших интерьеров, жанровых картин, портретов, пейзажей и натюрмортов. Возникло несколько школ голландской живописи 17 века , в том числе школы Харлема, Делфта, Утрехта и Лейдена. Ведущими участниками были два бессмертных Рембрандта (1606-1669) и Ян Вермеер.(1632-1675), а также Франс Снейдерс (1579-1657), Франс Хальс (1581-1666), Адриан Брауэр (1605-38), Ян Давидс де Хем (1606-84), Адриан ван Остаде (1610-85) ), Давид Тенирс Младший (1610-90), Герард Терборх (1617-81), Ян Стен (1626-79), Питер де Хох (1629-83) и художники-пейзажисты Элберт Кейп (1620-91), Джейкоб ван Рейсдал (1628-82) и Мейндерт Хоббема (1638-1709), среди прочих. Искусство рококо (ок. 1700-1789) Этот новый стиль декоративного искусства, известный как рококо , больше всего повлиял на дизайн интерьера , хотя также были затронуты архитектура, живопись и скульптура. По существу, реакция на серьезность барокко, рококо была беззаботным, почти причудливым стилем, который вырос при французском дворе в Версальском дворце, прежде чем распространился по Европе. Дизайнеры в стиле рококо использовали всю гамму лепнины, фресок, гобеленов, мебели, зеркал, фарфора, шелка и других украшений, чтобы дать домовладельцу полный эстетический опыт. В живописи стиль рококо отстаивали французские художники Ватто (1684-1721),Фрагонар (1732-1806) и Буше (1703-70). Но величайшие работы были созданы венецианцем Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), чьи фантастические настенные и потолочные фрески подняли рококо на новую высоту. Посмотрите, в частности, на возрождение французского декоративного искусства (1640–1792), созданного французскими дизайнерами, особенно в форме французской мебели , в Версале и других королевских замках в стиле Людовика Кваторза (XIV), Людовика Квинза (XV) и Луи Сейз(XVI). Как бы то ни было, рококо символизировало декадентскую лень и вырождение французской аристократии. Из-за этого он был сметен Французской революцией, которая возвестила новый, более строгий неоклассицизм, более соответствующий эпохе Просвещения и разума. Неоклассическое искусство (расцвет около 1790-1830 гг.) В архитектуре неоклассицизм произошел от более сдержанных «классических» форм барокко, практикуемых в Англии сэром Кристофером Реном (1632-1723), спроектировавшим собор Святого Павла . Еще одно возвращение к классическим орденам греко-римской древности, стиль характеризовался монументальными сооружениями, поддерживаемыми колоннами колонн и увенчанными классическими куполами эпохи Возрождения. Используя инновации, такие как многослойные купола, он придавал дополнительное величие дворцам, церквям и другим общественным сооружениям. Известные неоклассические здания включают: Пантеон (Париж) по проекту Жака Жермена Суффло (1756-97), Триумфальная арка (Париж) по проекту Жана Шальгрина,Бранденбургские ворота (Берлин), спроектированные Карлом Готтхардом Лангансом (1732–1808), и здание Капитолия Соединенных Штатов , спроектированное англичанином Бенджамином Генри Латробом (1764–1820), а затем Стивеном Халлетом и Чарльзом Булфинчем. См. также эпоху американского колониального искусства (ок. 1670–1800). Художники-неоклассики также обращались к классической античности за вдохновением и подчеркивали достоинства героизма, долга и серьезности. Ведущими представителями были французский политический художник Жак-Луи Давид (1748–1825), немецкий художник-портретист и исторический художник Антон Рафаэль Менгс (1728–1779) и французский мастер стиля академического искусства Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867). ). Среди неоклассических скульпторов были: Антонио Канова (1757–1822),
Движение романтизма (расцвет около 1790-1830 гг.) В отличие от универсальных ценностей, поддерживаемых неоклассицизмом, художники-романтики выражали более личную реакцию на жизнь, больше полагаясь на свои чувства и эмоции, а не на разум и интеллект. Этот идеализм, как и неоклассицизм, поощрялся Французской революцией, поэтому на некоторых художников повлияли оба стиля. Природа была важным предметом для романтиков, и примером этого стиля являются английская школа пейзажной живописи , пленэрная живопись Джона Констебла (1776-1837), Коро (1796-1875) вместе с представителями французской барбизонской школы и Американская школа пейзажной живописи реки Гудзон, а также более экспрессионистский Дж. М. У. Тернер (1775–1851). Однако, возможно, величайшим художником-романтиком-пейзажистом, возможно, является Каспар Давид Фридрих (1774-1840). Нарративная или историческая живопись была еще одним важным жанром в романтизме: ведущими представителями являются: Франсиско Гойя (1746–1828) , Генри Фюзели (1741–1825), Джеймс Барри (1741–1806), Теодор Жерико (1791–1824) и Эжен Делакруа (1798 ). -63), а также более поздние представители востоковедной живописи , капризные прерафаэлиты и символисты.
По мере развития 19 века растущее осознание прав человека плюс социальное влияние промышленной революции заставило некоторых художников отойти от идеалистических или романтических сюжетов в пользу более приземленных сюжетов, изображенных в более реалистичном стиле натурализма . . Этот новый фокус (в некоторой степени предвосхищенный Уильямом Хогартом в 18 веке, см. Английская фигуративная живопись ) был продемонстрирован стилем реализма , который возник во Франции в 1840-х годах, а затем распространился по Европе. Этот новый стиль привлекал художников всех жанров, в частности Гюстава Курбе (1819-77) (жанровая живопись), Жана Франсуа Милле . (1814-75) (пейзаж, сельская жизнь), Оноре Домье (1808-79) (городская жизнь) и Илья Репин (1844-1930) (пейзаж и портреты). |
История современного искусстваФранцузский импрессионизм , отстаиваемый прежде всего Клодом Моне (1840-1926), был спонтанным чувственным к цвету стилем пленэризма , истоки которого восходят к Жану-Батисту Камилю Коро и методам барбизонской школы, целью которой было изобразить мгновенные эффекты естественный свет. Это были сельские пейзажи [ Альфред Сислей (1839-1899)], городские пейзажи [ Камиль Писсарро (1830-1903)], жанровые сцены [ Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Поль Сезанн (1839 ). -1906) и Берта Моризо(1841-95)] и как фигуративные картины, так и портреты [ Эдуард Мане (1832-83), Джон Сингер Сарджент (1856-1925)]. Другие художники, связанные с импрессионизмом, включают Джеймса Макнила Уистлера (1834–1903) и Уолтера Сикерта (1860–1942). Импрессионисты стремились достоверно воспроизвести мимолетные мгновения на открытом воздухе. Таким образом, если объект казался темно-фиолетовым — возможно, из-за слабого или отраженного света — тогда художник окрашивал его в фиолетовый цвет. Натуралистические цветовые схемы «академического стиля», разработанные теоретически или, по крайней мере, в мастерской, не позволяли этого. В результате импрессионизм предложил совершенно новый изобразительный язык, который проложил путь для более революционных художественных движений, таких как кубизм, и часто рассматривается историками и критиками как первая современная школа живописи . В любом случае этот стиль оказал огромное влияние на парижское и мировое искусство и стал воротами для ряда движений, связанных с цветом, включая постимпрессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, дивизионизм, фовизм, интимизм, американский люминизм или Тонализм, а также американский импрессионизм , Newlyn School и Camden Town Group , французский Les Nabis и общее экспрессионистское движение. По сути, общий термин, охватывающий ряд событий и реакций на импрессионизм, постимпрессионизм включал художников, которые использовали цветовые схемы импрессионистского типа, но были недовольны ограничениями, налагаемыми простым воспроизведением природы. Неоимпрессионизм с его техникой пуантилизма был впервые открыт Жоржем Сёра и Полом Синьяком (1863-1935), а основными постимпрессионистами являются Поль Гоген , Винсент Ван Гог и Поль Сезанн . Вдохновленный синтезом Гогена и Бернара cloisonnism , постимпрессионистская группа Les Nabis продвигала более широкую форму декоративного искусства; другой стиль, известный как интимизм , касался жанровых сцен домашних, интимных интерьеров. Проиллюстрированный работами Пьера Боннара (1867–1947) и Эдуара Вюйара (1868–1940), он параллелен другим спокойным интерьерам, таким как интерьеры Джеймса Макнила Уистлера и Питера Вильгельма Ильстеда (1861–1933), находящегося под влиянием голландского реалиста. Другим очень важным движением — антиимпрессионистским, а не постимпрессионистским — был символизм. (расцвет 1885-1900), которые оказали влияние на фовизм, экспрессионизм и сюрреализм. Обратите также внимание на то, что многие художники-постимпрессионисты переняли формы и эстетику классицизма в ответ на пассивный натурализм импрессионистского искусства. Это привело к повсеместному классическому возрождению в современном искусстве , известному как «возвращение к порядку», между 1900 и 1930 годами. Чтобы узнать больше об арт-политике во Франции, см.: Парижский салон . Термин «фовисты» (дикие звери) впервые употребил искусствовед Луи Воксель на выставке «Осенний салон» 1905 года в Париже при описании ярких картин Анри Матисса (1869–1954), Андре Дерена (1880–1954). и Морис де Вламинк (1876-1958). Среди других фовистов были более поздний кубист Жорж Брак (1882–1963), Рауль Дюфи (1877–1953), Альбер Марке (1875–1947) и Жорж Руо (1871–1958). Большинство последователей фовизма перешли к экспрессионизму или другим движениям, связанным с Парижской школой . Скульптура 19 века / начала 20 века Скульптурные традиции, хотя и никогда не были независимыми от традиций живописи, связаны в первую очередь с пространством и объемом, в то время как вопросы масштаба и функции также выступают в качестве отличительных факторов. Таким образом, в целом скульптура медленнее отражала новые тенденции современного искусства в 19 веке, оставляя таким скульпторам, как Огюст Роден (1840-1917), свободу заниматься монументализмом, происходящим в основном из неоклассицизма, если не из идеологии Возрождения. Публичное измерение скульптуры также способствовало прославлению викторианских ценностей и исторических личностей, которые также были выполнены в величественной манере прежних времен. Так было до появления таких художников, как Константин Бранкузи . (1876-1957) и Умберто Боччони (1882-1916), что скульптура действительно начала меняться на рубеже веков. Экспрессионистское искусство (с 1900 г.) Экспрессионизм - это общий стиль живописи, который направлен на выражение личной интерпретации сцены или объекта, а не на изображение его реальных черт. Он часто характеризуется энергичной кистью, пастозной краской, интенсивными цветами и смелыми линиями. Среди ранних экспрессионистов были Винсент Ван Гог (1853-90), Эдвард Мунк (1863-1944) и Василий Кандинский (1866-1944). Ряд немецких экспрессионистских школ возник в течение первых трех десятилетий 20-го века. К ним относятся: Die Brucke (1905-11), группа, основанная в Дрездене в 1905 году, которая смешала элементы традиционного немецкого искусства со стилями постимпрессионизма и фовизма, примером чего являются работы Эрнста Людвига Кирхнера, Карла Шмидт-Ротлуфа, Эрика Хеккеля и Эмиля Нольде; Der Blaue Reiter (1911-14), свободная ассоциация художников, базирующаяся в Мюнхене, включая Василия Кандинского, Франца Марка, Августа Маке и Пауля Клее; Die Neue Sachlichkeit (1920-е годы) послевоенная сатирически-реалистическая группа, в состав которой входили Отто Дикс, Джордж Гросс, Кристиан Шад и, в меньшей степени, Макс Бекманн. Экспрессионизм должным образом распространился по всему миру, породив многочисленные производные как в фигуративной живописи (например, Фрэнсис Бэкон), так и в абстрактном искусстве (например, Марк Ротко). См. Также: История экспрессионистской живописи (ок. 1880–1930). |
|
Декоративное искусство: модерн (1890-1910) и ар-деко (1920-30-е) Стиль модерн (конец 19 века - начало 20 века) Стиль модерн (продвигаемый как югендстиль Мюнхенским сецессионом (1892 г.) и Берлинским сецессионом (1898 г.), как сецессионстиль в Венском сецессионе (1897 г.), а также как стиль свободы в Италии и модерн в Испании) происходит от Уильяма Морриса и искусства и Движение ремесел в Великобритании, а также находилось под влиянием как художественного движения кельтского возрождения,и японизм. Его популярность связана с Всемирной выставкой 1900 года в Париже, откуда он распространился по Европе и Соединенным Штатам. Он был известен своими замысловатыми плавными узорами извилистых асимметричных линий, основанных на растительных формах (восходящих к кельтским культурам Гальштата и Ла Тена), а также женскими силуэтами и формами. Стиль модерн оказал большое влияние на плакатное искусство, дизайн и иллюстрацию, дизайн интерьера, изделия из металла, изделия из стекла, ювелирные изделия, а также живопись и скульптуру. Среди ведущих представителей были: Альфонс Муха (1860-1939), Обри Бердслей (1872-98), Эжен Грассе (1845-1917) и Альбер Гийом (1873-1942). Смотрите также: История плакатного искусства..
Школа Баухаус (Германия, 1919-1933) Произведенная от двух немецких слов «бау» для здания и «хаус» для дома, школа искусства и дизайна Баухаус была основана в 1919 году архитектором Вальтером Гропиусом .. Чрезвычайно влиятельный как в архитектуре, так и в дизайне, а также в методах обучения, среди его преподавателей были такие художники, как Йозеф Альберс, Лионель Файнингер, Пауль Клее, Василий Кандинский, Оскар Шлеммер, Ласло Мохой-Надь, Анни Альберс и Йоханнес Иттен. Его миссия заключалась в том, чтобы привести искусство в контакт с повседневной жизнью, поэтому дизайну повседневных предметов придавалось такое же значение, как и изобразительному искусству. Важные заповеди Баухауза включали в себя достоинства простого, чистого дизайна, массового производства и практические преимущества хорошо спроектированного дома и рабочего места. В конечном итоге Баухаус был закрыт нацистами в 1933 году, после чего несколько его учителей эмигрировали в Америку: Ласло Мохой-Надь поселился в Чикаго, где основал Новый Баухаус .в 1937 году, когда Альберс поступил в колледж Блэк-Маунтин в Северной Каролине. Ар-деко (1920-е, 1930-е) Стиль дизайна, известный как ар-деко , был продемонстрирован в 1925 году на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже и стал очень популярным стилем декоративного искусства, дизайна и архитектуры в межвоенные годы. ). Его влияние также было замечено в дизайне мебели, текстильных тканей, керамики, украшений и стекла. Реакция против ар-нуво, новая идиома ар-деко устранила плавные криволинейные формы последнего и заменила их геометрическими формами, вдохновленными кубизмом и прецизионизмом. Известные примеры архитектуры в стиле ар-деко включают Эмпайр-стейт-билдинг и Крайслер-билдинг в Нью-Йорке .. На ар-деко также повлияли простые архитектурные проекты Баухауза. Изобретенный Пабло Пикассо (1881-1973) и Жоржем Браком (1882-1963) и считающийся «революционным» движением в современном искусстве, кубизм был более интеллектуальным стилем живописи, который исследовал весь потенциал двухмерной плоскости изображения. предлагая разные виды одного и того же объекта, обычно расположенные в виде серии перекрывающихся фрагментов: подобно тому, как фотограф может сделать несколько фотографий объекта с разных ракурсов, прежде чем разрезать их ножницами и случайным образом расположить на плоской поверхности. Этот « аналитический кубизм » (возникший из «Авиньонских девиц» Пикассо).синтетический кубизм », когда художники стали включать в свои полотна « найденные объекты », такие как коллажи, сделанные из газетных вырезок. 1941), Альберта Глеза (1881–1953), Роже де Ла Френе (1885–1925), Жана Метцингера (1883–1956) и Франсиса Пикабиа (1879–1953), художника-авангардиста Марселя Дюшана (1887–1968). , а также скульпторы Жак Липшиц (1891-1973) и Александр Архипенко (1887-1964) (см. также Русское искусство ) .и оказал значительное влияние на развитие более поздних стилей, таких как: орфизм (1910-13 гг.), коллаж (1912 г.), пуризм (1920-е гг.), прецизионизм (1920-е, 1930-е гг.), футуризм (1909-1914 гг.), лучизм (около 1912 г.). -14), супрематизм (1913-1918), конструктивизм (ок. 1919-32), вортицизм (ок. 1914-15) , дизайнерское движение Де Стиль (1917-31) и строгий геометрический стиль бетонного искусства, известный как нео- Пластичность . Во многом уходящий корнями в антихудожественные традиции движения Дада (1916-24), а также в психоаналитические идеи Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, сюрреализм был самым влиятельным художественным стилем межвоенных лет. По словам его главного теоретика Андре Бретона , оно стремилось соединить бессознательное с сознательным, чтобы создать новую «сверхреальность» — «сюрреализм». Это движение охватывало широкий спектр стилей, от абстракции до реального реализма, обычно перемежающегося «нереальными» образами. Важные сюрреалисты включали Сальвадора Дали.(1904-89), Макс Эрнст (1891-1976), Рене Магритт (1898-1967), Андре Массон (1896-1987), Ив Танги (1900-55), Жоан Миро (1893-1983), Джорджио де Кирико ( 1888–1978), Жан Арп (1886–1966) и Ман Рэй (1890–1976). Это движение оказало большое влияние на Европу в 1930-х годах, было главным предшественником концептуализма и продолжает находить сторонников в изобразительном искусстве, литературе и кинематографии. Американское искусство начала 20 века (ок. 1900-45) Американская живопись периода 1900-45 годов была реалистической по стилю и все больше ориентировалась на чисто американские образы. Это было результатом реакции на Armory Show (1913 г.) и европейского гипермодернизма, а также реакцией на изменение социальных условий в стране. Позже это стало патриотическим ответом на Великую депрессию 1930-х годов. См. также огромные достижения в архитектуре небоскребов начала 20-го века. Подробнее см.: Американская архитектура (с 1600 г. по настоящее время). Конкретные движения живописи включали школу Ашкан (около 1900–1915); прецизионизм(1920-е годы), которые прославляли новый американский индустриальный ландшафт; более социально осознанный городской стиль соцреализма (1930-е годы); Американская сценическая живопись (ок. 1925–1945), в которую вошли работы Эдварда Хоппера и Чарльза Берчфилда, а также регионализм Среднего Запада (1930-е годы), отстаиваемый Грантом Вудом, Томасом Хартом Бентоном и Джоном Стюартом Карри.
Абстрактный экспрессионизм (1945-60) Первое международное движение современного искусства, пришедшее из Америки (его иногда называют Нью-Йоркской школой — см. Также американское искусство ), это был преимущественно абстрактный стиль живописи, который следовал экспрессионистскому направлению, основанному на цвете, а не кубизму. идиома, хотя он также включает в себя ряд других стилей, что делает его более общим движением. В абстрактном экспрессионизме выделяются четыре варианта : во-первых, «автоматический» стиль « живописи действия ».», изобретенные Джексоном Поллоком (1912–1956) и его женой Ли Краснер (1908–1984). Во-вторых, монументальные цветовые плоскости, созданные Марком Ротко (1903–70), Барнеттом Ньюманом (1905–70) и Клиффордом Стиллом (1904). -80) — стиль, известный как « Живопись цветового поля ». В-третьих, жестовые фигуративные работы Виллема Де Кунинга (1904–1997). В-четвертых, геометрические абстракции «Посвящение квадрату» Йозефа Альберса (1888–1976). Очень влиятельная живопись абстрактного экспрессионизма продолжала оказывать влияние на более поздних художников более двух десятилетий. Он был представлен в Париже в 1950-х годах Жан-Полем Риопелем (1923–2002) при содействии книги Мишеля Тапи Un Art Autre (1952). В то же время в Америке возник ряд новых поддвижений, таких как Hard-edge painting , примером которых является Фрэнк Стелла. В конце 1950-х - начале 1960-х годов чисто абстрактная форма живописи цветового поля появилась в работах Хелен Франкенталер и других, а в 1964 году известный искусствовед Клемент Гринберг помог ввести дальнейшее стилистическое развитие, известное как « пост-живописная абстракция ».«. Абстрактный экспрессионизм оказал влияние на множество различных школ, включая оп-арт , флюксус, поп-арт, минимализм, неоэкспрессионизм и другие. Поп-арт (конец 1950-х - 60-е гг.) Мост между современным искусством и постмодернизмом, Поп-артиспользовал популярные образы и современные формы графического искусства, чтобы создать живой, впечатляющий язык, который мог понять и оценить Джо Паблик. Он появился одновременно в Америке и Великобритании в конце 1950-х годов, а европейская форма (новый реализм) появилась в 1960 году. Созданная в Америке Робертом Раушенбергом (1925–2008) и Джаспером Джонсом (р. 1930), поп-музыка имела тесные связи с движения начала 20 века, такие как сюрреализм. Это была явная реакция на закрытый интеллектуализм абстрактного экспрессионизма, от которого художники поп-музыки стремились дистанцироваться, перенимая простые, легко узнаваемые образы (из телевидения, мультфильмов, комиксов и т. п.), а также современные технологии, такие как трафаретная печать. Среди известных американских поп-исполнителей: Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (р. 1928), Алекс Кац (р. 1927), Рой Лихтенштейн (1923–97), Клас Ольденбург (р. 1929) и Энди Уорхол (1928–87). Важными поп-исполнителями в Великобритании были: Питер Блейк (1932 г.р.), Патрик Колфилд (1936–2006), Ричард Гамильтон (1922 г.р.), Дэвид Хокни (1937 г.р.), Аллен Джонс (1937 г.р.), Р.Б. р.1932) и Эдуардо Паолоцци (1924-2005). Начиная с ранних работ Бранкузи, скульптура 20-го века неизмеримо расширилась, охватив новые формы, стили и материалы. Основные нововведения включали «скульптурные стены» Луизы Невельсон (1899–1988), экзистенциальные формы Джакометти (1901–66), биоморфную абстракцию . как Барбары Хепворт (1903-75) и Генри Мура (1898-1986), так и пауков Луизы Буржуа (1911-2010). Другие творческие подходы использовал Сальвадор Дали (1904–1989) в его сюрреалистических картинах «Диван с губами Мэй Уэст» и «Телефон с лобстером», Мерет Оппенгейм (1913–1985) в ее «Пушистом завтраке» Ф. Е. Маквильяма (1909–1992). ) в его «Глазах, носу и щеке», Сола Левитта (р. 1928) в его скелетных коробчатых конструкциях и поп-артистов, таких как Клас Ольденбург (р. 1929) и Джаспер Джонс (р. 1930), как а также итальянцы Джонатан Де Пас (1932-91), Донато Д'Урбино (р. 1935) и Паоло Ломацци (р. 1936) в их уникальном «Джо Диване». Подробнее об истории живописи, скульптуры, архитектуры и ремесел в этот период см.: Движения в современном искусстве . |
История современного искусстваСлово «постмодернизм» часто используется для описания современного искусства примерно с 1970 года. Проще говоря, постмодернистское искусство делает упор на стиль, а не на содержание (например, не «что», а «как», не «искусство ради искусства», а «стиль ради искусства»). ради стиля») и подчеркивает важность того, как художник общается со своей аудиторией. Это иллюстрируется такими движениями, как концептуальное искусство , где передаваемая идея считается более важной, чем само произведение искусства, которое просто действует как средство передачи сообщения. Кроме того, для увеличения « воздействия«Из визуального искусства на зрителей постмодернисты обратились к новым формам искусства, таким как ассамбляж, инсталляция, видео, перформанс, хэппенинги и граффити — все они так или иначе связаны с концептуализмом — и эта идея воздействия продолжает вдохновлять. О ведущих постмодернистах см.: Top 200 Contemporary Artists . Художники с 1970-х годов экспериментировали с многочисленными стилями по всему спектру от чистой абстракции до фигурации. К ним относятся: минимализм , пуристская форма абстракции, которая мало способствовала продвижению живописи как привлекательной среды; Неоэкспрессионизм, в который входили такие группы, как «Уродливые реалисты», «Новый Вильден», «Свободная фигурация», «Трансавангардия», «Художники нового образа» и так называемые «Плохие художники», ознаменовали возвращение к изображению узнаваемых объектов. как человеческое тело (хотя часто в квазиабстрактном стиле), с использованием грубой кисти, ярких цветов и цветовых гармоний; и полностью фигуративные стили, принятые такими группами, как «Новая субъективность» и «Лондонская школа». На другом полюсе от минимализма находится ультрарепрезентативная художественная форма фотореализма (суперреализм, гиперреализм)., великий Люсьен Фрейд (р. 1922), новатор Фернандо Ботеро (р. 1932), точный Дэвид Хокни (р. 1937), фотореалисты Чак Клоуз (р. 1940) и Ричард Эстес (р. 1936) и современница Дженни Сэвилл (р. 1970). См. Также: Современная британская живопись (1960–2000). Скульптура с 1970 года появлялась в самых разных обличьях, в том числе: крупномасштабные металлические работы Марка Ди Суверо (р. 1933), минималистские скульптуры Вальтера де Марии (р. 1935), монументальные общественные формы Ричарда Серра (р . 1935). .1939), гиперреалистичные обнаженные тела Джона Де Андреа (р. 1941), экологические структуры Энтони Гормли (р. 1950), характерные для конкретных мест фигуры Роуэна Гиллеспи (р. 1953), работы из нержавеющей стали Аниш Капур (р. 1954), высокоэффективные нео-поп произведения Джеффа Кунса . (р. 1955) и выдающиеся работы 21 века Судобха Гупты (р. 1964) и Дамиана Ортеги (р. 1967). Кроме того, привлекающая внимание общественности скульптура включает в себя « Чикаго Пикассо » — серию металлических фигур, изготовленных для Чикагского административного центра, и архитектурный « Шпиль Дублина » («шип»), созданный Яном Ритчи (р. 1947), в числе которых многие другие. Плюралистический взгляд на современное искусство «что угодно» (который критики могли бы охарактеризовать как пример басни о «Новой одежде императора») удачно проиллюстрирован в работах Дэмиена Херста , ведущего члена школы молодых британских художников . Известный своей «Физической невозможностью смерти в сознании живого человека», мертвой тигровой акулой, замаринованной в формальдегиде, а недавно своим инкрустированным бриллиантами черепом «Во имя любви к Богу», Херст сумел взбудоражить публику и напугать критиков во всем мире. Мир. И хотя он вряд ли когда-либо унаследует мантию Микеланджело, его достижение продаж на одном аукционе Sotheby's составило 100 миллионов долларов. Более отрезвляющим моментом стало то, что в марте 2009 года в престижном Центре современного искусства Жоржа Помпиду в Париже была организована выставка под названием « Специализация чувствительности в сырьевом состоянии в стабилизированную изобразительную чувствительность ». Это авангардное мероприятие состояло из 9 совершенно пустых комнат — по сути, реинкарнация совершенно немого произведения «музыкального» концептуального искусства Джона Кейджа под названием «4.33». Если одна из великих площадок современного искусства, такая как Центр Помпиду, считает девять совершенно пустых пространств достойным арт-событием, у нас у всех большие проблемы. Чтобы узнать больше об истории постмодернистской живописи, скульптуры и авангардных форм искусства, см.: Движения современного искусства . Можно сказать, что архитектура XIX века стремилась украсить новую волну гражданских сооружений, таких как вокзалы, музеи, правительственные здания и другие коммунальные службы. Он сделал это, взяв идеи из неоклассицизма, неоготики, французской Второй империи и экзотики, а также новые формы и материалы так называемой « промышленной архитектуры », примерами которой являются фабрики, а также случайные знаковые сооружения, такие как Эйфелева башня . Тауэр (1887-89). Для сравнения, архитектура 20 века.характеризуется вертикальной застройкой (небоскребы), флагманскими зданиями и послевоенной реконструкцией. Больше, чем в любую другую эпоху, в его дизайне преобладало изобретение новых материалов и методов строительства. Это началось с эксплуатации инноваций конца 19 века, разработанных Чикагской школой архитектуры , таких как структурная стальная рама , в стиле, известном как ранний модернизм . В Америке архитекторы начали использовать в дизайне ар-нуво и ар-деко . стилей в свою работу, в то время как в Германии и России тоталитарная архитектура преследовала отдельную повестку дня в 1930-е годы. Среди известных архитекторов первой половины века были: Луи Салливан (1856–1924), Фрэнк Ллойд Райт (1867–1959), Виктор Орта (1861–1947), Антонио Гауди (1852–1926), Питер Беренс (1868–1940 ). ), Вальтера Гропиуса (1883–1969) и Ле Корбюзье (1887–1965). После 1945 г. архитекторы отвернулись от функционализма и начали создавать новые формы с использованием железобетона, стали и стекла. Таким образом, поздний модернизм уступил место брутализму., корпоративный модернизм и архитектура высоких технологий , кульминацией которых стали такие сооружения, как Центр Жоржа Помпиду в Париже и культовый Сиднейский оперный театр - одно из первых зданий, в которых для склеивания сборных элементов конструкции использовался промышленный аральдит . С 1970 года постмодернистская архитектура использовала несколько разных подходов. Некоторые дизайнеры лишили здания всех украшений, чтобы создать минималистский стиль; другие использовали идеи деконструктивизма отойти от традиционных прямолинейных форм; в то время как другие использовали программное обеспечение для цифрового моделирования для создания совершенно новых органических форм в процессе, называемом Blobitecture . Среди известных послевоенных архитекторов: Мирс ван дер Роэ (1886-1969), Луи Кан (1901-74), Йорн Утзон ; Ээро Сааринен (1910-61), Кензо Танге (1913-2005), И. М. Пей (р. 1917), Норман Фостер (р. 1935), Ричард Роджерс , Джеймс Стирлинг (1926-92), Альдо Росси (1931-97) , Фрэнк О. Гери (р. 1929),Рем Колхас (1944 г.р.) и Даниэль Либескинд (1946 г.р.). Известные архитектурные группы или фирмы включают: Skidmore, Owings & Merrill (осн. 1936 г.); Вентури и Скотт-Браун (оценка 1925 г.); нью-йоркская пятерка — Питер Эйзенман, Майкл Грейвс, Чарльз Гватми, Джон Хейдук, Ричард Мейер; и Herzog & de Meuron (оценка 1950 г.). ЧТОБЫ НАЙТИ ОПРЕДЕЛЕННОЕ ДВИЖЕНИЕ, |
|
• Наш основной индекс см. в: Энциклопедия визуальных искусств .
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА |
