Жанры художественной живописи , материалы, история, движения: масло, акварель, акрил.
ГЛАВНЫЙ ИНДЕКС АЗ
|
|
 Изгнание из Эдемского сада (фрагмент), Капелла Бранкаччи, Флоренция (ок. 1426–147), работа Мазаччо. См . Анализ известных картин . |
История изобразительного искусства
|
|
|
Определение: форма двухмерного визуального выражения: Искусство живописи состоит в расположении форм, линий, цветов, тонов и текстур на двухмерной поверхности, создавая таким образом эстетический образ. Более того, нельзя сказать больше, само разнообразие возможностей исключает какое-либо более точное определение. Готовая картина может быть полностью репрезентативной и натуралистичной, как у фотореалистов (например, Ричарда Эстеса), или полностью абстрактной .- состоящие только из геометрических фигур (как у Пита Мондриана или Бриджит Райли) - или где-то между ними. В жанровом отношении это может быть повествовательно-историческое произведение, портрет, жанровая сцена, пейзаж или натюрморт. Он может быть написан энкаустикой, темперой или фреской, маслом, акрилом или акварелью или любым из новых современных материалов. И, как могут засвидетельствовать искусствоведы и историки, существует бесчисленное множество противоречивых теорий о функциях, замысле, иерархии стилей и эстетике живописи, поэтому, пожалуй, безопаснее всего будет сказать, что художники как «визуальные художники» занимаются задачей создание двухмерных произведений визуального выражения любым удобным для них способом. |
|
САМОЕ ВЕЛИКОЕ ИСКУССТВО |
|
ИСКУССТВО ЖИВОПИСИ САМОЕ ДОРОГОВОЕ ИСКУССТВО КАТЕГОРИИ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫХ ИСКУССТВ ТОП-ХУДОЖНИКИ ВОПРОСЫ О ЖИВОПИСИ ВЕЛИКИЕ ХУДОЖНИКИ |
Иногда его называют « дизайн » — термин, заимствованный из искусства эпохи Возрождения , который переводится как дизайн и рисунок, таким образом, включая представление художника о том, что он хочет создать, а также его исполнение — дизайн живописи касается формальной организации различных элементов в единое целое. . К этим формальным элементам относятся: Линия , Форма / Масса , Цвет , Объем / Пространство , Время / Движение . (1) Линия охватывает все, от основных очертаний и контуров до граней тона и цвета. Линия фиксирует взаимосвязь между соседними или удаленными элементами и областями поверхности картины, а также их относительную активность или пассивность. (2) Форма и масса включают в себя различные области цвета, тона и текстуры вместе с любыми конкретными изображениями в них. Многие из самых известных картин (например , « Тайная вечеря » Леонардо да Винчи) оптически расположены вокруг геометрических фигур (или их комбинации). Негативное пространство также можно использовать для подчеркивания определенных особенностей композиции. (3) Неудивительно, учитывая, что человеческий глаз может различать до 10 миллионов различных оттенков, поэтому цвет имеет множество различных применений. (См . colorito .) Его можно использовать в чисто описательной манере — египтяне использовали разные цвета, чтобы отличать богов или фараонов, а также мужчин от женщин — или для передачи моральных сообщений или эмоционального настроения, или для улучшения перспективы (более бледные цвета для отдаленных фонов). ). См. Также: Тициан и венецианская цветная живопись 1500–1576 гг. Прежде всего, цвет используется для изображения эффектов света (см. серию « Стога сена » или « Руанский собор »).Клода Моне), в то время как многие великие художники, такие как Караваджо и Рембрандт, использовали контраст между цветами для драматического эффекта, особенно в технике светотени (см. «Ночной дозор » Рембрандта ). Увидеть цвет в живописи . |
|
|
|
|
(4) Элементы объема и пространства связаны с тем, как художник создает глубину и пространственные отношения на плоской поверхности картины. Традиционные художники делают это, используя концепцию линейной перспективы , разработанную во время флорентийского Возрождения Пьеро делла Франческа и другими (см. также иллюзионистские техники квадратуры и ракурса ).), в то время как кубисты, такие как Пикассо, Брак, Дюшан и Хуан Грис, выражали пространство и объем, показывая ряд перекрывающихся «моментальных снимков» одного и того же объекта, как если бы он рассматривался одновременно с разных точек зрения. Третьи, как наивные (наивные) или художники-примитивисты, изображают предметы не в их истинно-натуралистическом отношении друг к другу, а порознь, под тем углом, который лучше всего выявляет их характерные черты, — сюда входят уплощенные стилистические формы, употребляемые, например, египтянами. (5) Элементы времени и движения касаются того, как глазу зрителя позволяется воспринимать картину с точки зрения скорости и направления, как для ее повествовательного развития (например, в крупномасштабных исторических фресках), так и для ее потенциала trompe l'oeil . , или его угловые возможности для изучения (например, кубистические картины, изображающие несколько «моментальных снимков» одних и тех же объектов). |
|
|
В дополнение к созданию визуального объекта художник также стремится наполнить его определенной степенью интеллектуального содержания в форме символизма, морального или социального сообщения или какого-либо другого значимого содержания. Так, известный американский критик Клемент Гринберг (1909–1994) однажды заявил, что все великое искусство должно быть направлено на создание противоречия между визуальной привлекательностью и возможностью интерпретации . История искусства полна примеров интерпретирующего содержания. Например, египетское искусство известно своими иконографическими образами, как и византийские панно и фрески до Возрождения. Картины эпохи Возрождения, такие как работы старых мастеров , таких как Боттичелли, Леонардо и Рафаэль, часто принимали форму очень сложных аллегорических произведений, традиция, которая сохранялась на протяжении последующих эпох барокко и неоклассицизма 17 и 18 веков. Даже натюрморты, особенно в жанре живописи Ванитас ., были проникнуты моралистической аллегорией. Однако в 19 веке эта традиция несколько ослабла под доминирующим влиянием романтизма, импрессионизма и, в меньшей степени, экспрессионизма, а затем возродилась в 20 веке, когда кубизм и сюрреализм использовали ее в полной мере. Подробнее см.: Анализ современной живописи (1800–2000 гг.). Энкаустика В энкаустике , одном из основных средств живописи древнего мира, используется горячий пчелиный воск в качестве связующего вещества, удерживающего цветные пигменты и позволяющего наносить их на поверхность — обычно на деревянные панели или стены. Он широко использовался в египетском, греческом, римском и византийском искусстве. фреска Фреска (по-итальянски «свежий») относится к методу рисования, при котором пигменты смешиваются исключительно с водой (без использования связующего вещества), а затем наносятся непосредственно на свежеуложенную штукатурку, обычно на оштукатуренную стену или потолок. Штукатурка впитывает жидкую краску и по мере высыхания сохраняет пигменты в стене. Дополнительные эффекты были получены с помощью техники скретчинга, такой как сграффито . Величайшими примерами фресковой живописи , вероятно, являются фрески Микеланджело «Бытие» и «Страшный суд» , фрески Сикстинской капеллы , а также картины в комнатах Рафаэля, такие как «Афинская школа». Темпера Вместо пчелиного воска в средней темпере для рисования используется эмульсия воды и яичного желтка (иногда смешанная с клеем, медом или молоком) для связывания пигментов. Живопись темперой в конечном итоге была вытеснена маслом, хотя как метод росписи панелей она существовала веками. Он также широко использовался в средневековой живописи при создании иллюминированных рукописей. Подробнее об этом жанре см.: Готические иллюминированные рукописи (1150-1350 гг.). |
|
Масла В масляной живописи , доминирующей с 1500 года, используются масла, такие как льняное, ореховое или маковое, в качестве связующего и сушильного агента. Его популярность связана с повышенной насыщенностью и сиянием, которое масло придает цветным пигментам . Это также облегчило тонкие детали, используя такие методы, как сфумато , а также смелую окраску, полученную с помощью толстого слоя ( импасто ). Важными пионерами техники масляной живописи были (в Голландии) фламандские художники Хуберт и Ян Ван Эйк и (в Италии) Антонелло да Мессина, Леонардо да Винчи и особенно представители школы венецианской живописи , в том числе Джованни Беллини и Тициан. Акварель и гуашь Акварельная живопись — довольно неумолимая техника, разработанная в Англии — использует водорастворимые пигменты, предварительно приготовленные со связующим, обычно гуммиарабиком. Когда акварель сгущается, делается непрозрачной и смешивается с белилами, это называется гуашью . Первыми пионерами акварельной живописи являются Томас Гиртин и Дж. М. У. Тернер. Гуашь была важным средством для многих лучших миниатюристов, участвовавших в ранней миниатюрной портретной живописи , до использования эмали. акрил Акриловая живопись , самая современная из всех сред, представляет собой искусственную краску, содержащую смолу, полученную из акриловой кислоты, которая сочетает в себе некоторые свойства акварели и масла. Обладая высокой универсальностью, его можно наносить практически на любую поверхность в различных количествах, начиная от тонких мазков и заканчивая толстыми пастозными слоями. Он может дать матовую или глянцевую поверхность и очень быстро сохнет. Популярная среди многих известных художников , в том числе Дэвида Хокни, акриловая живопись может все же заменить масло в 21 веке. Фрески Начиная с палеолитической наскальной живописи , фрески были нарисованы в гробницах, храмах, святилищах и катакомбах по всему древнему западному миру, включая Этрурию, Египет, Крит и Грецию. Первоначально лишенные «глубины», они были полностью развиты как средство библейского искусства в период раннего Возрождения такими художниками-фресками, как Джотто (см.: Фрески капеллы Скровеньи ), а затем Мазаччо, Фра Анджелико, Рафаэлем и Микеланджело. По мере того как в оформлении интерьера все больше преобладали витражи и гобелены, настенная живопись пришла в упадок, хотя в 19 и 20 веках был заказан ряд работ для конкретных мест. Панно Живопись Самая ранняя форма переносной живописи, панели широко использовались (например) в египетском и греческом искусстве (хотя сохранилось лишь несколько), а затем византийскими художниками, начиная с 400 г. н.э. Как и в случае с фресками, панно были обновлены в период поздней готики и раннего Возрождения, главным образом как вид декоративного религиозного искусства - например. « Гентский алтарь » (1432 г.) Губерта и Яна Ван Эйков и « Смещение » (1440 г.) Роджера ван дер Вейдена. Для получения подробной информации о панно эпохи Возрождения в Венеции 16 века, жанре и периоде, который иллюстрирует цветовой подход города, см.: Венецианские алтари (1500–1600) иВенецианская портретная живопись (1400-1600). См. Также: Наследие венецианской живописи в европейском искусстве. Роспись деревянных панелей была особенно популярна во фламандской живописи и других северных школах из-за климата, неблагоприятного для фресковой росписи, и оставалась таковой до конца 17 века. Станковая живопись Эта форма, как и панно, была формой студийного искусства, но в качестве опоры использовался холст, а не деревянные панели. Холст был и легче, и дешевле, чем панели, и не требовал специальной грунтовки левкасом и другими материалами. Начиная с эпохи барокко (1600 г.) масло на холсте стало предпочтительной формой живописи по всей Европе. Он был особенно популярен среди новых буржуазных покровителей в голландской живописи 17 века (1600-80), особенно в форме портретов, натюрмортов и жанровых работ. |
|
|
Иллюминация рукописи Этот тип живописи, восходящий к знаменитым примерам из древнего Египта, таким как «Книга мертвых», достиг своего апогея в средние века (ок. 500–1000 гг. Н. Э.) В виде ирландских и европейских иллюстрированных рукописей . Ранние примеры этого типа книжной живописи включают: Катах Св. Колумбы (начало 7 века, ок. 610–620), Книга Дарроу (ок. 670), Линдисфарнские евангелия (ок. 698–700), Эхтернахские евангелия (ок. 700), Евангелия Личфилда (730), Godescalc Evangelistary (781-83), Золотая Псалтырь (783-89), Евангелия Лорша (778-820), Келлская книга (ок. 800 г.), Евангелие святого Медара Суассонского (810 г.), Утрехтская псалтирь (830 г.), Евангелия Эбо (835 г.), Библия Гранваля (840 г.), Библия Вивиана (845 г.). Более поздние примеры средневекового освещения рукописи включают романские произведения, такие как: Псалтирь Эгберта , Псалтирь Святого Олбанса , Библия Винчестера , Кодекс Виджилано и Рукопись Моралии ; Готические произведения, такие как: Псалтырь Святого Людовика , Библия Морализее , Псалтирь Эймсбери , Рукопись Миннесангера , Псалтырь королевы Марии ; и международные готические произведения, такие как: Миссал для канцлера Яна из Стреды (1360, Прага, Библиотека Национального музея, MS); вTres Riches Heures du Duc de Berry (1416, Musee Conde Chantilly) братьев Лимбург; « Благовещение » Жакмара де Эсдена (1400 г., Национальная библиотека, Париж); Брюссельские часы (Брюссель, Бельгийская национальная библиотека, MS. 11060-1); Часы маршала де Бусико ( МузейЖака-Мар-Андре, Париж); Le Livre du coeur d'Amours Espris (1465 г., Австрийская национальная библиотека, Вена). Обычно выполненные темперой яичного белка на пергаменте и картоне, эти раскрашенные рукописи отличались чрезвычайно богатым и сложным графическим орнаментом в виде переплетений, узлов, спиралей и зооморфов в кельтском стиле, а также фигуративными портретами Святых и Апостолов. К сожалению, появление печатного станка в Германии 15-го века вытеснило этот вид искусства из бизнеса в Европе. После этого он сохранился только на Востоке, особенно в виде исламской каллиграфической живописи и украшенных текстов, а также миниатюр из Индии. Свиток Живопись Ручные свитки - это форма азиатского искусства , датируемая примерно 350 г. н.э., общая как для китайской живописи , так и для японского искусства. Состоящие из бумаги или шелка разной длины, они представляли собой множество картин, написанных тушью и размытием , сюжеты которых включали, среди прочего, пейзажи, буддийские темы, исторические или мифологические сцены. Путеводитель по эстетическим принципам восточного декоративно-прикладного искусства см.: Традиционное китайское искусство: характеристики . Экранная / веерная живопись Есть два основных типа расписных ширм: традиционные китайские и японские складные ширмы, нарисованные тушью или гуашью на бумаге или шелке, датируемые 12 веком - форма, которая позже включала лаковые ширмы; и экран иконостаса, найденный в византийских, греческих и русских православных церквях, который отделяет святилище от нефа. Этот экран традиционно украшен религиозными иконами. и другие изображения с использованием энкаустики или темперных красок. Расписные веера, обычно украшенные чернилами и цветными пигментами на бумаге, картоне или шелке, иногда покрытые сусальным золотом или серебром, появились в Китае и Японии, хотя любопытно, что многие из них на самом деле были нарисованы в Индии. В Европе веерная живопись не практиковалась до 17 века и получила должное развитие только во Франции и Италии примерно с 1750 года. Современные формы живописи Художники 20-го века экспериментировали с огромным количеством опор и материалов, включая сталь, бетон, полиэстер, неоновые огни, а также с бесконечным разнообразием «найденных» объектов (objets trouves). Примером последнего служат работы Ива Кляйна (1928-62), расписывавшего обнаженные женские тела синей краской и затем запечатлевшего их на холсте; и Роберт Раушенберг (1925–2008), чья работа « Кровать» (1955) состояла из одеяла с его собственной кровати, окрашенного зубной пастой, помадой и лаком для ногтей. Существует пять традиционных жанров живописи . Они ранжируются следующим образом: Истоки История искусства знает множество стилей живописи. Начиная с доисторической наскальной живописи (например, в пещерах Альтамира, Шове и Ласко), она охватывает фрески и панно египетской, минойской, микенской и этрусской цивилизаций, а также классический античный стиль греческой живописи и римского искусства. . Прекрасным примером классической античности является серия портретов фаюмских мумий , найденная в основном в бассейне Фаюм недалеко от Каира. Крах Рима (около 450 г. н.э.) привел к господству византийского искусства, основанного в Константинополе. Тем временем Западная Европа пережила четыре века застоя — Темные века — до того, как папа Лев III короновал Карла Великого императором Священной Римской империи. Двор Карла Великого спонсировал мини-культурный ренессанс, известный как каролингское искусство (750-900 гг.). Это возрождение поддерживалось Оттоном I, II и III, эпохой оттоновского искусства, прежде чем возрожденная Римская церковь положила начало последовательным культурным стилям романского (1000–1200) и готического искусства (1150–1375). Основными видами живописи, предпринятыми в рамках этих пяти движений, были иконные панно, религиозные фрески и иллюминация книг. Проторенессанс Средневековая западная живопись строго регулировалась условностями. Мало того, что предмет был ограничен почти исключительно изображением библейских персонажей, но также существовал фиксированный канон правил, который устанавливал, какие персонажи Ветхого и Нового Завета могут быть включены и как их следует распознавать. Структура изображения придерживалась «смысловой точки зрения», при которой важные предметы изображались крупными, а менее важные - в меньшем масштабе. Художники также были обязаны следовать шаблонному набору условностей в своих композициях, касающихся (например) цвета, пространства и фона. Таким образом, натурализм вообще не допускался. Божественный мир Бога, Иисуса, Девы Марии, Пророков, Первыми художниками, бросившими вызов жесткости этих правил живописи, были Чимабуэ и его ученик Джотто (1270-1337), чей цикл фресок в Капелле Скровеньи (Часовня Арена) в Падуе представил новый реализм, используя гораздо более натуралистическую идиому. В результате Джорджо Вазари (1511–1574) описывает Джотто в своих « Жизнеописаниях художников » («Vite de' piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani») (1550) как «отца живописи». Другим новатором проторенессансного периода треченто (ок. 1300-1400) был Амброджо Лоренцетти (активный 1319-48) из сиенской школы живописи . |
|
|
Раннее Возрождение В то время как старомодные стили византийского искусства и интернациональной готики постепенно разыгрывались в Сиене (Италия) и при феодальных королевских дворах по всей Европе, творческие идеи Джотто изучались и развивались во Флоренции в эпоху раннего Возрождения .(1400-90). В этом движении произошло четыре основных события: (1) возрождение форм и стилей классического греко-римского искусства; (2) Большая вера в благородство человека (гуманизм); (3) Владение линейной перспективой (глубина картины); и (4) Больший реализм в фигуративной живописи. Среди выдающихся художников раннего Возрождения были: Томмазо Мазаччо (ок. 1401–1428), написавший серию фресок в часовне семьи Бранкаччи во Флоренции; и Пьеро делла Франческа ( 1420–1492 ), чей страстный интерес к математике привел его к открытию линейной перспективы с геометрически точными пространствами и строго пропорциональными пространствами (см ., 1450-е гг.). Реализм, линейная перспектива и новые формы композиции были усовершенствованы последующими художниками кватроченто , такими как флорентийцы Антонио дель Поллайоло (1432–1498) и Алессандро Боттичелли (1445–1510), а также североитальянец Андреа Мантенья (1431–1506). ). Высокое/Позднее Возрождение Живопись Высокого Возрождения (ок. 1490–1530), сосредоточенная в Риме и управляемая папой Юлием II (годы правления 1503–1513) и папой Львом X (годы правления 1513–1521), стала свидетелем зенита идеологии итальянского Возрождения и эстетического идеализма. как некоторые из величайших картин эпохи Возрождения . Все это хорошо проиллюстрировано в работах Леонардо да Винчи (1452-1519) ( Тайная вечеря , Мона Лиза ), Рафаэля (1483-1520) ( Афинская школа ) и Микеланджело (1475-1564) ( фреска Бытия в Сикстинская капелла Ватикана). Это Высокое Возрождение трио поддержали другие великие художники из Венеции, в том числе Якопо (ок. 1400-1470), Джентиле Беллини (ок. 1429-1507) и Джованни Беллини (ок. 1430-1516), Джорджоне (ок. 1476-1510), Тициан (Тициано Вечеллио) (ок. 1487-1576), Паоло Веронезе (1528-88) и Тинторетто (Якопо Робусти) (1518-94). Северное Возрождение Между тем, в Северной Европе (Фландрии, Голландии, Англии и Германии) Северное Возрождение развивалось несколько иначе, не в последнюю очередь в его предпочтении масляной живописи (фреска менее приспособлена к влажному климату) и в его поддержке гравюры. Великими художниками той эпохи были: Ян Ван Эйк (1390–1441), Роже ван дер Вейден (1400–1464), Иероним Босх (1450–1516), Альбрехт Дюрер (1471–1528) и Ганс Гольбейн (1497–1543). . маньеризм Искусство бурного чинквеченто или 16 века характеризовалось менее гармоничным, более принудительным стилем живописи, называемым маньеризмом . Вторая Сикстинская фреска Микеланджело, фреска « Страшный суд » , является образцом для подражания, как и « Похороны графа Оргаса » Эль Греко (ок. 1541–1614). Барокко В конце 16 века, в ответ на движение протестантской Реформации Мартина Лютера (с 1520 г.), Римско-католическая церковь начала свою Контрреформацию, используя все имеющиеся в ее распоряжении средства для возрождения своей репутации, включая искусство. Это совпало с появлением нового европейского стиля живописи, известного как живопись барокко , которая процветала в 17 веке. В некотором смысле искусство барокко было апогеем маньеризма, характеризующимся крупномасштабной экстравагантной театральностью как по форме, так и по содержанию. Рубенс (1577-1640) был католическим художником контрреформационного барокко по преимуществу .. В Испании, еще одном оплоте католицизма, ведущими художниками были Диего Веласкес (1599–1660) и Франсиско Сурбаран (1598–1664). В Италии Караваджо (1571-1610) стал ведущим художником Контрреформации, известным своим натурализмом и приземленными образами. Он был важным пионером тенебризма и светотени , живописного использования тени, популяризированного под именем Караваджизма . Ключевым центром искусства итальянского барокко и живописи Караваджа был Неаполь — в то время второй по величине город в Европе после Парижа. Подробнее см.: Живопись в Неаполе (1600-1700). Голландская реалистическая школа Некатолическое искусство голландского барокко и некоторое искусство фламандского барокко должны были развиваться по-разному, поскольку протестантские церковные власти мало интересовались заказом религиозных произведений. Однако рост благосостояния среди купеческого и профессионального сословия привел к появлению нового типа коллекционера произведений искусства, чья гордость домом и домом вызвала новый спрос на станковое искусство: в частности, на жанровые произведения, пейзажи и натюрморты. Так возникли великие голландские реалистические школы жанровой живописи в Делфте, Утрехте, Харлеме и Лейдене, среди членов которых мы находим таких гениев, как Рембрандт (1606-1669) и Ян Вермеер (1632-1675). Рококо Примерно к 1700 году тяжелая идиома барокко превратилась в более легкий и менее серьезный стиль, который в конечном итоге принял независимую форму в движении, известном как рококо . Первоначально исключительно французский, этот причудливый декоративный стиль в конечном итоге распространился по всей Европе в 18 веке. Его величайшими представителями были французские художники Жан-Антуан Ватто (1684-1721), Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806), Франсуа Буше (1703-70) и венецианец Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770). фантастические настенные и потолочные фрески. Рококо стало тесно ассоциироваться с декадентскими древними режимами .Европы, особенно французского короля Людовика XV и его любовницы мадам де Помпадур. |
|
|
Неоклассицизм и романтизм (Расцвет около 1789-1830 гг.) Французская революция 1789 года совпала с появлением двух различных художественных стилей: неоклассического искусства и романтизма . Представители неоклассической живописиискал вдохновения в классической античности; их картины характеризуются героизмом, тягостным долгом и ощутимым чувством серьезности. Его ведущим представителем был французский политический художник Жак-Луи Давид (1748-1825). Среди других известных неоклассических художников были немецкий портретист и исторический художник Антон Рафаэль Менгс (1728-79) и французский мастер академического художественного стиля Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780-1867). Однако самым большим вкладом движения была его архитектура, которая до сих пор видна во всем мире. В отличие от серьезности и универсальных ценностей, продвигаемых неоклассицизмом, художники-романтики стремились вернуться к природе, примером чего является их поддержка спонтанной пленэрной живописи (например, в Барбизонской , Понт-Авенской и Нориджской школах живописи). и доверились чувствам и эмоциям, а не разуму и интеллекту. Художники-романтики склонны выражать эмоциональную личную реакцию на жизнь. Среди знаменитых романтиков были Джон Констебл (1776-1837) и Дж. М. У. Тернер (1775-1851) - важные представители английской пейзажной живописи 19 века.- Каспар Давид Фридрих (1774-1840) и Камиль Коро (1796-1875); а также художники-историки и портретисты Франсиско Гойя (1746–1828), Генри Фюзели (1741–1825), Джеймс Барри (1741–1806), Теодор Жерико (1791–1824) и Эжен Делакруа (1798–63). См. также английскую фигуративную живопись (1700–1900 гг.). Позднее романтическое искусство включало левантийскую ориенталистскую живопись , американские приграничные пейзажи школы реки Гудзон , мистические работы Движения символизма и Братства прерафаэлитов , а также фантастические сказочные картины школы магического реализма. Реализм Вплоть до 19 века, за исключением нидерландского искусства 17 века, живопись была сосредоточена в первую очередь на «важных» предметах, как это было определено традицией академий изящных искусств и Парижского салона . Даже когда художники обращались к менее возвышенным предметам (например, детям-попрошайкам), обычно они изображали их в идеализированной манере. Но в соответствии с новыми идеями «Свободы, Братства и Равенства», развязанными Французской революцией, художники стали отдавать равный приоритет бытовым сюжетам, которые изображались в реалистичной, натуралистической манере. Этот новый стиль, известный как реалистическая живопись- возникла в основном во Франции и привлекала художников всех жанров, в частности Гюстава Курбе (1819-77), Жана-Франсуа Милле (1814-75), Оноре Домье (1808-79), Илью Репина (1844-1930) и Томаса Икинса. (1844-1916). Влияние французского реализма 19-го века продолжалось и в 20-м веке, за это время он породил множество поддвижений, таких как Школа Ашкан (Нью-Йорк), Социальный реализм (при поддержке Федерального проекта искусств) , Прецизионизм (индустриальные сцены), Социалистический реализм, Современное искусство . Реализм и другие, и продолжается по сей день.
Импрессионистская Живопись Ко второй половине 19 века Париж стал бесспорным центром мирового искусства. Он укрепил свои позиции, породив одно из величайших направлений современного искусства всех времен - импрессионизм , основными приверженцами которого были: Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсарро (1830-1903), Альфред Сислей (1839-1899), Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Эдуард Мане (1832-1883), Поль Сезанн (1839-1906) и Берта Моризо (1841-95). Другие художники, связанные со стилем импрессионизма, включали Жоржа Сёра (1859–1891), Пола Гогена (1848–1903), Джона Сингера Сарджента (1856–1925), Джеймса Макнила Уистлера (1834–1903) и Уолтера Сикерта (1860–1942). . Смотрите также:Лучшие картины импрессионистов . Хотя импрессионисты распались как «группа» в начале 1880-х годов, этот стиль породил ряд связанных стилей живописи, в общих чертах называемых неоимпрессионизмом и постимпрессионизмом . К ним относятся пуантилизм , ответвление дивизионизма , интимизма и американского стиля люминизма пейзажей и морских пейзажей, а также группы художников, такие как английская школа Ньюлин и группа Камден Таун , декоративные французские стили живописи синтетизма (Гоген) и Cloisonnism. (Bernard, Anquetin), которые вдохновили Nabis и немецкую группу Worpswede. Fin de Siecle и живопись начала 20 века Примерно между 1882 и 1925 годами в мире искусства возник шквал новых стилей живописи. Двумя основными движениями этого взрыва современного искусства были: (1) Экспрессионизм — колористический стиль (совпадающий с недолговечным парижским фовистским движением, возглавляемым Анри Матиссом) с участием групп немецкого экспрессионизма , таких как Der Blaue Reiter , Die Brucke и Neue Sachlichkeit , и представленный в картинах Василия Кандинского (1844–1844 гг.). 1944), Эдварда Мунка (1863–1944), Алексея фон Явленского (1864–1941), Жоржа Руо (1871–1958), Эрнста Людвига Кирхнера (1880–1938), Франца Марка (1880–1916) и Эгона Шиле (1890–1890). 1918). См. Также: История экспрессионистской живописи (ок. 1880–1930). (2) Кубизм - более интеллектуальный стиль, в котором представлена аналитическая, а затем синтетическая кубистическая живопись, впервые созданная Жоржем Браком (1882-1963) и Пабло Пикассо (1881-1973). Кубистские эксперименты с двухмерной картинной плоскостью привели к появлению таких ответвлений, как футуризм , итальянское художественное движение, основанное в 1909 году Филиппо Маринетти (1876-1944); орфический кубизм (симультанизм) Робера Делоне (1885-1941); Лучизм развивали русские художники Михаил Ларионов (1881-1964) и Наталья Гончарова (1881-1962); движение русского абстрактного искусства 1913–1915 годов, известное как супрематизм, во главе с Казимиром Малевичем (1878–1935) и голландцем Де Стейлом .движение, основанное в 1917 году Тео ван Дусбургом (1883-1931) и Питом Мондрианом (1872-1944), которое впоследствии стало неопластизмом. Подробнее см.: Абстрактные картины . На живопись начала 20-го века также повлияли декоративные узоры как в стиле модерн ( югендстиль в Германии), так и в стиле ар-деко.
Живопись после Первой мировой войны: сюрреализм После антихудожественных выходок дадаизма первым международным живописным движением межвоенных лет был сюрреализм , чей непочтительный популистский стиль оказал большое влияние на более поздний поп-арт. После новаторской метафизической живописи Джорджо де Кирико, главного предшественника сюрреалистического искусства, ведущими художниками-сюрреалистами были Макс Эрнст (1891–1976), Ман Рэй (1890–1976), Жан Арп (1887–1966), Жоан Миро (1893–1893). 1983), Рене Магритта (1898-1967) и Сальвадора Дали (1904-89). После Второй мировой войны: абстрактный экспрессионизм (c.1945-65) К 1940 году, когда Европа погрузилась в хаос, центр искусства мира переместился в Нью-Йорк, где растущее число местных художников смешивалось с художниками-эмигрантами из Франции, Испании и Германии, находя покровительство и поддержку со стороны семьи Гуггенхаймов, среди прочих. Атмосфера была тяжелой из-за войны, от которой многие художники отшатнулись, ища утешения и смысла в абстракции, а не в фигуративном искусстве, которое фактически пришло в упадок после упадка американской живописи сцены и ее среднезападного варианта регионализма . Из сочетания влиятельных европейцев-эмигрантов, таких как Макс Эрнст (женившийся на Пегги Гуггенхайм), бывшего художника Баухауза Йозефа Альберса (1888–1976) и армянина Аршила Горки (1904–48), а также уникальных американских художников, таких как Марк Ротко (1903-70), Джексон Поллок (1912-56) и другие - пришел абстрактный экспрессионизм с его вариантами " живописи действия " (Поллок и Ли Краснер), живописи цветового поля (Ротко, Стилл, Ньюман, Франкенталер). , Кеннет Ноланд), Hard Edge Painting (Фрэнк Стелла) и Post-Painterly Abstraction (Элсворт Келли). В Европе абстрактная экспрессионистская живопись развивалась под общим знаменем Art Informel (Альфред Отто Вольфганг Шульце: Wols), подстили которого включали лирическую абстракцию (например, Николя де Сталь) , ташизм (Сэм Фрэнсис), живопись материи (Антони Тапиес) . и группа Cobra (например, Асгер Йорн, Карел Аппель). Очень влиятельное движение, абстрактный экспрессионизм, в конечном итоге привело к минимализму — одному из первых движений современного искусства — через подстили, такие как оп-арт , отстаиваемые Бриджит Райли (р. 1931). Поп-арт (1960-е) По мере того, как абстрактный стиль становился все более интеллектуальным, другие американские художники искали альтернативы, уходящие корнями если не в фигурацию, то, по крайней мере, в повседневную реальность. В конце 1950-х годов Джаспер Джонс (р. 1930) и Роберт Раушенберг (1925–2008) начали исследовать использование популярной культуры в качестве источника вдохновения. Это быстро привело к антиинтеллектуальному движению поп-арта , примером которого являются работы Роя Лихтенштейна (1923–1997), Энди Уорхола (1928–87) и Дэвида Хокни (р. 1937) и многих других. После упадка в начале 1970-х он снова появился как нео-поп в 1980-х. Репрезентативное Вполне возможно, что все это скорее кажущееся, чем реальное. Например, отсутствие «международных» движений может создавать иллюзию того, что достигнут незначительный прогресс, несмотря на значительные события на местном уровне. Более того, художники-постмодернисты по-прежнему способны создавать замечательные образцы абстракции — возьмем, к примеру, характерное словесное искусство , созданное Кристофером Вулом (р. 1955) в его черно-белых эмалевых картинах. Таким образом, в целом, грубо говоря, создание картин с 1970-х годов, несмотря на большое индивидуальное великолепие, похоже, не произвело должной доли шедевров. Вместо этого можно утверждать, что художники-постмодернисты были полны хлопот, пытаясь найти ответы на эти три вопроса: (1) Насколько значима фигуративная живопись в эпоху, когда доминируют фотожурналистика и видеофильмы? (2) Что еще может предложить абстрактная живопись в плане эстетической оригинальности? (3) В какой степени живопись может конкурировать с более «современными» формами искусства, такими как инсталляции, за внимание обычных людей, в художественных музеях или других общественных местах? Возможно, традиционные навыки рисования и живописи, которые больше не получают того внимания, которое раньше уделялось им в художественных колледжах и академиях, находятся в упадке, хотя, по-видимому, - по крайней мере, в такой же степени - в России, Восточной Европе и Китае, где, возможно, современные видео/фотографические технологии имеют меньшее влияние. С другой стороны, новая технология рисования, а также программная графика открыли живопись для более широкого круга практиков, что может быть только положительным моментом. |
|
• Дополнительную информацию о классической живописи см. в Энциклопедии изобразительного искусства .
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА |
