Художественная оценка: как оценить искусство?
Как оценить картину.
ГЛАВНЫЙ ИНДЕКС АЗ
|
Художественная оценка: как оценить искусство?
|
|
ОЦЕНКА ИСКУССТВА ЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА КАТЕГОРИИ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫХ ИСКУССТВ |
|
САМОЕ ВЕЛИКОЕ ИСКУССТВО ВЕЛИКИЕ ХУДОЖНИКИ МИРА МИРОВЫЕ АУКЦИОННЫЕ РЕКОРДЫ |
Что такое художественная оценка? Задача оценки произведения искусства, такого как картина или скульптура, требует сочетания объективной информации и субъективного мнения. Да, это правда, что оценка искусства очень субъективна, но цель оценки картины состоит не просто в том, чтобы установить, нравится/не нравится ли вам картина, а в том, ПОЧЕМУ она вам нравится/не нравится. А для этого нужны определенные знания. Ведь ваша оценка рисунка, нарисованного 14-летним ребенком на школьной площадке, скорее всего, будет сильно отличаться от аналогичного рисунка 40-летнего Микеланджело. Точно так же нельзя использовать одни и те же стандарты при оценке реалистичных качеств реалистического портрета по сравнению с экспрессионистским портретом. Это потому, что художник-экспрессионист не пытается уловить ту же степень визуальной объективности, что и его коллега-реалист. Проще говоря, оценщикам искусства необходимо генерировать факты, на которых основываются их мнения: а именно, факты о (1) контексте произведения искусства; и (2) само произведение искусства. Когда у нас есть факты, мы можем сделать нашу оценку. Чем больше информации мы сможем собрать о контексте и самом произведении искусства, тем более аргументированной будет наша оценка.
Художественная оценка — это не просто симпатия или антипатия Прежде чем вдаваться в подробности о том, как оценивать искусство, давайте еще раз подчеркнем, что весь смысл оценки искусства состоит в том, чтобы объяснить, ПОЧЕМУ нам что-то нравится или не нравится, а не просто в том, нравится нам это или нет. Например, вам может не понравиться изображение из-за того, что оно слишком темное, но вам все равно может нравиться его содержание или общий смысл. Проще говоря, недостаточно сказать: «Мне не нравится эта картина». Нам нужно знать причины вашего мнения, а также, считаете ли вы, что работа имеет какие-либо положительные качества. Как оценить произведение искусства Самый простой способ понять и, следовательно, оценить произведение искусства — это исследовать его контекст или предысторию. Это потому, что это помогает нам понять, что было (или могло быть) в уме художника в то время, когда он создавал рассматриваемую работу. Думайте об этом как об основной детективной работе. Начните с этих вопросов. |
|
|
A. Как оценить контекст/фон работы? Знание даты работы помогает нам оценить, как она была сделана, и степень сложности. Например, пейзажи, созданные до популярности фотографии (около 1860 г.) или появления складных жестяных тюбиков с краской (1841 г.), имели более высокий уровень сложности. Масляная живопись , созданная до эпохи Возрождения или после эпохи Возрождения художниками со скромным достатком, не будет содержать фантастического, но астрономически дорогого природного синего пигмента ультрамарина, сделанного из измельченного минерала ляпис-лазури . Является ли картина абстрактной или репрезентативной? Картина может быть полностью абстрактной (имеется в виду, что она не похожа ни на какие естественные формы: форма, известная как беспредметное искусство ), или органически абстрактной (некоторое сходство с природными органическими формами), или полуабстрактной (фигуры и другие объекты в той или иной степени различимы), либо репрезентативным (его образное и иное содержание мгновенно узнаваемо). Очевидно, что абстрактное произведение имеет совершенно иные цели, чем репрезентативное произведение, и должно оцениваться по другим критериям. Например, полностью абстрактная картина не пытается отвлечь зрителя каким-либо натурализмом .и, таким образом, его воздействие полностью зависит от его формальных качеств (линия, форма, цвет и т. д.). Картины бывают разных типов или категорий (известных как жанры живописи ). Устоявшиеся жанры: пейзаж, портрет, жанровая живопись (бытовые сцены), история и натюрморт. В течение XVII века великие европейские академии, такие как Академия художеств в Риме, Академия художеств во Флоренции, Парижская академия изящных искусств и Королевская академия в Лондоне, следовали правилу, установленному в 1669 году профессором Андре Фелибиен, секретарь Французской академии , который ранжировал жанры следующим образом: (1) Историческая живопись - религиозные картины , возможно, являются независимой категорией; (2)портретная живопись ; (3) Жанровая живопись ; (4) пейзажная живопись ; (5) Натюрморт . Эта иерархия отражала моральное влияние каждого жанра. Специалисты считали, что нравственный посыл можно передать гораздо яснее через историческую картину, портрет или жанровую картину, а не через пейзаж или натюрморт.
Некоторые из этих типов живописи имеют традиционные правила, касающиеся композиции, сюжета и так далее. Особенно это относится к религиозному искусству . Христианские темы, например, которые много раз появляются в картинах эпохи Возрождения и барокко, обязаны содержать определенные святые фигуры и должны соответствовать определенным композиционным правилам. Кроме того, художники часто обращаются к более ранним картинам в том же жанре (Кричащий папа Фрэнсиса Бэкона был создан по образцу одного из величайших портретов - « Портрета Иннокентия X » Веласкеса). Из-за всего этого картины лучше всего оцениваются на фоне других произведений того же типа. Дополнительные советы см.Как ценить картины . С какой школой или движением связана живопись? «Школа» может быть национальной группой художников (например, Древнеегипетская школа, Испанская школа, немецкий экспрессионизм) или местной группой (например, Делфтская школа голландского реализма, Нью-Йоркская школа Ашкан, Парижская школа) или общее эстетическое движение (например , барокко , неоклассицизм, импрессионизм, фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт), местная группа или группа художников (например, Der Blaue Reiter, Нью-Йоркская школа абстрактного экспрессионизма, Cobra Group, Fluxus, Сент-Айвз), или даже общее течение (реализм, экспрессионизм). В качестве альтернативы Школа может заниматься конкретным жанром (например , Барбизонская школа ).и Newlyn School, обе ландшафтные группы; Братство прерафаэлитов, картины на историческую или литературную тематику), или живописный метод (например, неоимпрессионизм, основанный на пуантилизме — варианте цветовой теории дивизионизма), или аспект природного мира (например, конструктивизм, посвященный отражающий современный индустриальный мир), или политику, или математические символы (например, строгий неопластизм ). Знание того, к какому из многих художественных направлений принадлежит картина, может помочь нам лучше понять ее композицию и значение. Например, в школе египетского искусства художники должны были придерживаться определенных правил живописи, касающихся композиции и цвета. Таким образом, размеры фигур определялись в соответствии с их социальным статусом, а не в соответствии с линейной перспективой .. Голову и ноги всегда изображали в профиль, а глаза и верхнюю часть туловища — спереди. Египетские художники использовали не более шести цветов: красного, зеленого, синего, желтого, белого и черного, каждый из которых символизировал различные аспекты жизни или смерти. В других культурах и культурных школах есть свои особые правила. Голландские художники -реалисты ценили точное, реалистичное воспроизведение интерьеров и окружения, за исключением портретной живописи, где целью было польстить предмету: ср. Ночной дозор, по Рембрандту. Художники-импрессионисты обычно ценили свободную кисть, чтобы запечатлеть мимолетные впечатления от света. Кубисты отвергли обычные правила линейной перспективы и вместо этого разобрали свой предмет на серию плоских прозрачных геометрических пластин, которые перекрывались и пересекались под разными углами. Художники De Stijl, такие как Пит Мондриан, использовали в своих картинах только геометрические формы, а линии всегда были горизонтальными или вертикальными, а не диагональными. И так далее. Обратите внимание, что западное искусство очень отличается от восточного искусства. Китайская живопись , например, фокусируется на духовной внутренней сущности вещей, а не на внешнем виде. Знание того, где и при каких обстоятельствах создается картина, часто может улучшить нашу оценку и понимание соответствующей работы. Вот несколько примеров. Опасно балансируя на вершине шатких лесов, Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы (гигантская площадь в 12 000 квадратных футов) практически без посторонней помощи в течение 4 лет с 1508 по 1512 год. Зная, что этот шедевр христианского искусства был создан на месте , а не в приятной теплой студии, помогает нам оценить грандиозность задачи. Моне, лидер французского импрессионизма , посвятил свою жизнь пленэрной живописи .. В более поздние годы у него был японский водный сад с прудами с лилиями, разбитыми рядом с его домом, и именно здесь он создал свою огромную серию картин с водяными лилиями. Писсарро также писал в основном на открытом воздухе и поэтому всегда имел большое количество незаконченных картин, потому что свет часто меркнет до того, как его работа была закончена. Это объясняет, почему он рисовал одну и ту же сцену или мотив (чтобы уловить разный свет) и почему его кисть была такой быстрой и свободной. С другой стороны, Мане и Дега были горожанами и работали исключительно в своей мастерской, где они могли шлифовать и совершенствовать свои работы. Среди других выдающихся художников-пленэристов были скандинавы Кройер и Хаммерсхой (известные как «художники света»), Окружение может иметь большое влияние на настроение художника и, следовательно, на его живопись. Ван Гог и Гоген тому пример. В свои 10 лет живописи Ван Гог полагался на темные цвета, когда рисовал в трудные дни в Голландии (например , «Едоки картофеля» , 1885); переключился на более светлые и яркие цвета в Париже, когда попал под влияние импрессионизма; обратился к ярко-желтым, когда писал картины в Арле, недалеко от Ривьеры ( «Ночная терраса кафе» , 1888 г.); прежде чем вернуться к более темным пигментам в свой последний период («Сборщики оливок», 1889 г., и зловещее « Пшеничное поле с воронами »)., 1890). В 1891 году, через год после смерти Ван Гога, французский художник Поль Гоген отплыл на Таити и острова Тихого океана, где провел большую часть последних 10 лет своей жизни в крайней нищете. Тем не менее, его возвращение к природе наполнило его картины огромной жизнью и цветом, а также примитивизмом , который нашел отголоски у Пикассо и других. Особенно интересным художником является французский интимист Эдуар Вюйар, который прожил 60 лет со своей матерью, портнихой, в нескольких квартирах в Париже. Его мать носила корсет из дома, что давало Вюйару возможность наблюдать за узорами, материалами, цветами и формами ее платьев. Все это бережно отразилось в узорах его картин. Однажды, во время своей творческой юности, пионер поп-арта Роберт Раушенберг был (якобы) настолько беден, что остался в своей квартире и разрисовал одеяло на собственной кровати, украсив его зубной пастой и лаком для ногтей. Знаковая работа называлась « Кровать» (1955). На каком этапе был художник в своей карьере? Каково было его прошлое? Знание того, была ли картина создана художником в начале или в конце жизни, часто может помочь нам оценить работу. Художники обычно улучшают свою технику рисования со временем, достигают вершины в середине карьеры, а затем исчезают в последующие годы. Однако некоторые художники умерли в расцвете сил. К таким художникам относятся: Рафаэль (1483-1520), Караваджо (1571-1610), Ян Вермеер (1632-75), Томас Гиртин (1775-1802), Ричард Паркс Бонингтон (1802-28), Ван Гог (1853-90). , Обри Бердслей (1872-98), Исаак Левитан (1860-1900), Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901), Амедео Модильяни (1884-1920), Николя де Сталь (1914-1955) и Джексон Поллок (1912-1912). 56), и это лишь некоторые из них. С другой стороны, некоторые художники рано расцветают и, продолжая рисовать десятилетиями, не могут повторить свой ранний успех. В этой категории мы могли бы найти современных художников, таких как Марсель Дюшан, Жорж Брак, Оскар Кокошка, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Кес Ван Донген и даже, возможно, Пикассо. Лишь относительно небольшая часть сохраняет свою креативность до глубокой старости, как Тинторетто, Моне, Ренуар, Жоан Миро и Люсьен Фрейд. Понимание биографии художника также может многое объяснить в его/ее живописи. Сообщается, что норвежский экспрессионист Эдвард Мунк так и не оправился от нескольких ранних смертей в семье. Его последовательный невротический, болезненный характер можно увидеть во многих его работах. Мексиканская художница Фрида Кало так и не смогла полностью восстановить способность пользоваться правой ногой после заражения полиомиелитом в возрасте 6 лет, а в 18 лет получила серьезные травмы после автобусной аварии. Это помогает объяснить ее бесконечную серию автопортретов, запечатлевших ее отсутствие подвижности. Поль Сезанн ( пейзажи Мон-Сен-Виктуар , купальщицы и натюрморты) и Эдгар Дега (балерины) рисовали бесконечные кропотливые версии определенных сюжетов. Одна из вероятных причин этого заключается в том, что ни один из них не зависел от своего искусства в своей жизни. Конечно, ни один из них не пытался заниматься портретной живописью, которая была самым прибыльным из жанров с финансовой точки зрения. С другой стороны, оба мужчины были более классицистами в своих взглядах, чем их коллеги-импрессионисты, что помогает объяснить их точные и дотошные методы работы. Где было предполагаемое местонахождение картины? (если есть) Очевидно, что картина, предназначенная для большого пространства на стене обеденного зала испанского монастыря 16 века (монументальная, вдохновляющая религиозная картина), будет радикально отличаться от картины, предназначенной для изучения зажиточного торговца тканями в Амстердаме 17 века (небольшой масштабный, полированный портрет, интерьер или натюрморт). Точно так же картина, предназначенная для приемной высокотехнологичного программного обеспечения в Калифорнии (большая современная абстрактная картина, возможно, геометрическая или экспрессионистская), вероятно, будет отличаться от картины, установленной в зале заседаний частного банка в лондонском Сити (традиционная картина). пейзаж 19 века). Конечно, эти предположения не более чем стереотипные возможности, |
|
|
Б. Как оценить само произведение искусства
Как только мы исследовали или изучили контекст картины, мы можем начать ценить саму работу. Умение оценить картину само по себе является искусством, а не наукой. И, возможно, самым сложным аспектом оценки искусства является оценка самого метода рисования: то есть, как была написана настоящая картина? Поэтому мы с большим смирением предлагаем эти предложения о том, как оценить фактическую используемую технику рисования . Какие материалы использовались при создании картины? Какая краска использовалась? Какой тип грунта или опоры использовал художник? Ответы на эти вопросы могут дать интересную информацию о намерениях художника. Стандартные материалы - масляная краска на холсте. Масло из-за его богатства цвета, холст из-за его приспособляемости. Тем не менее, акриловые краски или акварелииспользуются вместо масел, когда требуются тонкие глазури, а акриловые краски также лучше, когда требуются большие плоские области цвета. Американские абстрактные экспрессионисты Марк Ротко и Барнетт Ньюман, известные своими монументальными цветными полотнами, экспериментировали в 1950-х годах со смесью масла и акрила. Акварельные и акриловые краски также сохнут гораздо быстрее, чем масляные, и поэтому идеально подходят для быстрой работы. Картины на деревянных панелях иногда используются в качестве альтернативы холсту, когда предполагается очень точная покраска (миниатюры рисовались и до сих пор рисуются на деревянных, медных или даже сланцевых панелях), или в сочетании с темперой. или акриловые краски, когда художник хочет нанести краску очень тонкими слоями. Иногда поверхность картины, ее опора и обрамление делаются специфическим признаком произведения искусства. В начале 1960-х годов во французском современном искусстве доминировала крайне левая авангардистская группа Supports-Surfaces , члены которой рисовали крупномасштабные полотна без подрамников (физической опоры за холстом), в то время как материалы часто разрезались, ткали или мяли. Итальянский художник Лучио Фонтана также сделал себе имя в 60-х годах своими «разрезанными» полотнами, позволяющими зрителю видеть через картинную плоскость трехмерное пространство за его пределами, которое само становится частью работы. Недавно Анджела де ла Крус, одна из современных художниц, номинирована на британскую премию Тернера 2010 года., прославилась своими полотнами, которые после окрашивания затем снимают с подрамника, скомкают и снова подвешивают. Каково содержание и тема картины? Что изображено на картине? Если это историческая картина или мифологическая картина, задайте себе следующие вопросы: Какое событие отображается? Какие персонажи задействованы и каковы их роли? Какое послание содержит картина? Если это портрет, задайте себе следующие вопросы: Кто натурщик? Каким его изобразил художник? Каким чертам или аспектам натурщика уделяется особое внимание? Если это жанровая сцена, задайте себе следующие вопросы: Какая сцена изображена? Что случилось? Какое сообщение (если оно есть) есть у художника для нас? Почему он выбрал именно эту сцену? Если это пейзаж, задайте себе следующие вопросы: Каково географическое положение вида на картине? (например. Это излюбленное место художника?) Что художник пытается донести до нас о пейзаже? Если это натюрморт, задайте себе следующие вопросы: Какие предметы — какими бы незначительными они ни казались — включены в картину? Почему художник выбрал именно эти предметы? Почему он расположил их именно так? Натюрморты известны своей символикой, поэтому стоит проанализировать нарисованные предметы, чтобы увидеть, что каждый из них может символизировать. Как оценить композицию в картине? Композиция означает общий замысел (дизайн ) , общий план. И то, как выложена картина, имеет жизненно важное значение, поскольку оно во многом определяет ее визуальное воздействие. Почему? Потому что хорошо составленная картина привлечет и направит взгляд зрителя по картине. Художники, преуспевшие в композиции, неизменно получали классическое образование в великих академиях, где композиция высоко ценилась в процессе живописи. Три ярких примера — Николя Пуссен (1594–1665), Ж. А. Д. Энгр (1780–1867) и Эдгар Дега (1834–1917). Недостаток места не позволяет нам вдаваться здесь в подробности, но мы рекомендуем изучить следующие произведения: «Святое семейство в Египте » (1655-1657, Эрмитаж, СПб) Пуссена; «Купальщица из Вальпинсона» (1808, Лувр, Париж) Энгра; и « Абсент » (1876, Музей Орсе) Дега. В первой работе, на которой изображены Иосиф и Мария, отдыхающие рядом с храмом в городе, Пуссен демонстрирует свою удивительную способность располагать все на картине именно так, как должно быть, для максимальной оптической гармонии и передавать важные сообщения, которые согласуются с общая тема. Проще говоря, все на картинке имеет очень конкретную цель и определенное положение. Во второй работе — более простом интерьере спальни без окон, в которой мы видим спину безымянной обнаженной женщины, сидящей на кровати, — Энгр создает в высшей степени символическое сочетание цветов, форм и ракурсов, придающее картине вуайеристскую таинственность. . Третья картина - одна из величайших жанровых картинвечно - изображает проститутку, сидящую в парижском кафе, перед ней стакан абсента; рядом с ней сидит другой мужчина; оба погружены в мысли и в свой собственный мир. В этой работе Дега использует серию ракурсов и линий, а также мрачные темные цвета, чтобы запечатлеть клеточную изоляцию и удручающее одиночество людей в центре крупного мегаполиса. Все три работы предлагают ряд важных идей, которые помогут вам оценить композицию картин. |
|
|
Как оценить линию и форму в картине? Мастерство живописца часто проявляется в силе и уверенности его линии (наброска), создающей и очерчивающей различные формы на его картине. В известной истории важный покровитель посылает гонца к Джотто, великому художнику до Возрождения. Посланник просит у Джотто удостоверение личности, после чего художник достает кисть и кусок полотна, на котором рисует идеальный круг. Затем он передает его посыльному, говоря: «Ваш Мастер точно знает, кто это нарисовал». Линия является важнейшим элементом в структуре картины и объясняет, почему рисуноксчитался всеми знатоками эпохи Возрождения величайшим атрибутом художника. На самом деле, когда открывались великие европейские академии изящных искусств, студентов вообще не учили живописи ( colorito ) — только рисованию. Некоторые из лучших рисовальщиков были портретистами, линии которых могли быть почти безупречными: современным примером является портретист с классическим образованием Джон Сингер Сарджент (1856–1925), который был мастером техники « au premier coup » — одним точным штрихом кистью, без повторной обработки. Среди современных художников, не имеющих классического образования, картины Ван Гога и Гогена выделяются исключительно сильными и уверенными линиями. В фигуративной живописи: (1) исследуйте, как художник использует светотень для оптимизации трехмерного качества своих фигур; (2) посмотреть, использует ли он тенебризм как часть своего плана освещения, чтобы привлечь внимание к определенным частям картины; (3) посмотрите, использует ли художник технику сфумато при смешивании цветов. Цвет в живописиоказывает большое влияние на наши эмоции и, следовательно, играет огромную роль в том, как мы оцениваем искусство. Любопытно, что хотя мы можем идентифицировать до 10 миллионов вариантов цвета, в английском языке существует только 11 основных цветовых терминов: черный, белый, красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, фиолетовый, розовый, коричневый и серый. Так что говорить именно о цвете непросто. Кстати, что касается терминов: оттенок — это синоним цвета; «оттенок» — это более светлая версия (например, розовая) определенного цвета (красного); «оттенок» — более темная версия (например, пурпурный); «тон» — это легкость, интенсивность или яркость цвета. Кстати, многие работы старых мастеров с возрастом начинают темнеть, что делает их менее привлекательными.лучшие художественные музеи выглядят очень мрачно! Цвет используется художниками несколькими способами. Возьмем , к примеру , картины Марка Ротко . Ротко был одним из первых художников, создавших огромные абстрактные полотна, насыщенные насыщенными цветами — желтым, оранжевым, красным, синим, индиго и фиолетовым. Его целью было вызвать эмоциональный отклик у зрителя. И почему бы нет? Ведь цветовая психология уже оказывает огромное влияние на дизайн интерьеров больниц, школ и других учреждений. Исторически импрессионизм и экспрессионизм (особенно фовизм) были первыми международными движениями, которые использовали весь потенциал цвета. Академические художники придерживались общепринятых цветовых схем — зеленая трава, синее/серое море и так далее, а современные художники рисовали то, что видели (импрессионисты) или то, что чувствовали (экспрессионисты): если это означало рисовать красную траву, так тому и быть. К фигуративному искусству относились так же, как к пейзажу: так, «русский Матисс» Алексей фон Явленский (1864–1941) установил новые стандарты использования цвета в портретной живописи, в то время как Дега использовал цвет, чтобы придать блеск своим балетным звездам, а отчаяние — его любитель абсента. Другие художники используют монохромную тональную цветовую схему для всей картины, чтобы создать особое настроение. Высшие образцы включают Коро Подводя итог, художники используют цвет, чтобы стимулировать эмоции, улавливать натуралистические эффекты света, придавать характер фигуре или сцене и добавлять глубину абстрактным или полуабстрактным работам. Его также можно использовать для привлечения внимания зрителя. Если вы хотите научиться ценить картины, обратите пристальное внимание на то, как художник использует цвет. Спросите себя: почему он выбрал именно этот оттенок? Как это влияет на настроение или композицию картины? Как разные используемые цвета соотносятся друг с другом: создают ли они гармонию или трение? Как оценить текстуру и кисть в картине? Когда дело доходит до обучения тому, как оценивать текстуру и манеру письма в живописи, ничто не заменит посещение галереи или музея и личное знакомство с некоторыми полотнами. Даже самые лучшие книги по искусству не способны в какой-либо степени воспроизвести текстуру. Опять же, это, как правило, художники с классическим образованием, которые преуспевают в различных текстурах и использовании импасто . Энгр даже выбирал определенные сюжеты (например , «Купальщица Вальпинсона» , 1808 г., «Большая одалиска »).1914), чтобы продемонстрировать свое мастерство в передаче текстуры таких материалов, как перламутр, перламутр и шелк. В любом случае то, насколько хорошо художник обращается с текстурой, является хорошим показателем силы его/ее техники рисования. Работа кистью может быть жесткой (медленнее, точнее, контролируемее) или свободной (более быстрой, более небрежной, более экспрессионистской). Она во многом определяется стилем и настроением картины, а не (скажем) темпераментом художника. У Караваджо был буйный горячий темперамент, но его картины были моделями контролируемой живописи. У Сезанна был медлительный темперамент: он рисовал так медленно, что все плоды на его натюрмортах сгнили за несколько недель до того, как он закончил. Тем не менее, кисть во многих его работах исключительно рыхлая. Делая дикие обобщения, мы можем сказать, что мазки художников-реалистов, как правило, более обдуманны и более контролируемы, чем у экспрессионистов. Когда импрессионисты провели свою первую выставку в Париже в 1874 г. критики и зрители были в ужасе от того, что они называли «небрежностью» мазков. Им приходилось стоять намного дальше от картин, прежде чем точное изображение сформировалось. Нынче мы спокойно относимся к импрессионизму, но поначалу его сверхрассыпчатая манера письма вызывала скандал. Когда дело доходит до оценки картины, возникает вопрос: добавляет ли мазок живописи или отвлекает от нее? |
|
|
Как оценить красоту в картине? Эстетика — очень личная тема. Мы все видим вещи по-разному, в том числе и «искусство», и особенно «красоту». Кроме того, живопись — это в первую очередь изобразительное искусство — то, что мы скорее видим, чем думаем. Поэтому, если нас спросят, считаем ли мы картину красивой, мы, скорее всего, дадим довольно мгновенный ответ. Но если нас потом попросят оценить красоту (или ее отсутствие) картины, то есть объяснить и обосновать, то это совсем другое дело. Итак, чтобы помочь вам проанализировать ситуацию, задайте себе несколько вопросов о картине. Большинство озабочено видимой гармонией, регулярностью и равновесием. Какие пропорции видны на картинке? Повторяются ли на картине определенные формы или узоры? Привлекает ли вас картинка? Удерживает ли он ваше внимание? Как картина сравнивается с другими? Все относительно. Итак, как картина перед вами сравнивается с аналогичными видами картин того же художника? Если это зрелая работа, вы можете обнаружить, что она лучше предыдущих, и наоборот. Если вы не можете найти других работ того же художника, попробуйте поискать похожие работы других художников. В идеале начать с работ, написанных в одно и то же десятилетие, а затем постепенно продвигаться вперед во времени. Вы не можете смотреть на слишком много картин! Советы о том, как ценить абстрактное искусство Абстрактные картины нелегко оценить. Это нормально, когда они следуют общей теме, такой как кубизм , или когда они включают в себя узнаваемые черты, но чисто конкретное искусство , использующее только геометрические символы, имеет тенденцию быть слишком интеллектуальным для комфорта! Тем не менее, многие художники-абстракционисты внесли огромный вклад в современную культуру, и нам нужно попытаться их понять. Вот несколько советов. Полностью абстрактная живопись освобождает нас, зрителей, от любых оптических ассоциаций с реальной жизнью. (Вот почему многие художники работают в абстрактной идиоме). Таким образом, мы не отвлекаемся ни на что, кроме картины, и можем сосредоточиться исключительно на живописных аспектах работы: то есть на линии, форме, цвете, фактуре, мазке и т. д. В частности, спросите себя: (1) Как художник делит холст? (2) Как художник направляет наш взгляд и где он задерживается? (3) Как художник использует цвет, чтобы создать глубину, привлечь внимание или придать определенным формам особое значение или смысл? (4) Какие конкретные формы содержит произведение и что, по вашему мнению, они означают? (5) Иногда художники-абстракционисты очень экономно используют цвет и намеренно создают минималистский вид. Если вы обнаружите, что не можете много рассказать о таких работах, не беспокойтесь: у всех с ними трудности! Лучше всего исследовать одну конкретную работу и выяснить, что о ней думает ведущий «искусствовед». Возможно, вам это все равно не понравится, но, по крайней мере, вы будете знать, что искать. (6) В целом, абстрактные картины гораздо более интеллектуальны, чем другие работы. Их нужно расшифровать! Так что вместо того, чтобы вскидывать руки и говорить: «Я не понимаю эту ужасную картину!», отнеситесь к ней как к головоломке и посмотрите, сможете ли вы понять, к чему стремится художник.
Как оценивать искусство: несколько заключительных вопросов Изучив контекст картины и саму работу, мы подошли к нескольким заключительным вопросам. • Что картина пытается сказать? История искусствоведения: известные критики Вам не нужно ничего знать об искусствоведах или их истории, чтобы уметь ценить искусство. Так что не будем утомлять вас подробностями. Тем не менее, несколько фрагментов могут помочь убедить вас в том, что даже эксперты могут расходиться во мнениях относительно того, является ли картина произведением гения или полной ерундой. Дени Дидро (1713–1784) считается отцом-основателем художественной критики благодаря тому, что он был редактором « Энциклопедии » (1751–1752). Довольно сентиментальный в своем художественном вкусе, он сделал много важных вещей, о большинстве из которых слишком скучно упоминать. Теофиль Тор (1807–1869) более интересен: он был французским писателем и историком, который, как известно, «заново открыл» Яна Вермеера (1632–1675) и сделал его одним из величайших художников всех времен. Впрочем, Вермееру это не сильно поможет. Бедняк с трудом мог платить по счетам за хлеб, не зарабатывал на своей живописи и впал в безвестность после ранней смерти. Другим известным художественным критиком был поэт XIX века Шарль Бодлер (1821–1867). Он лихо положил начало карьере Фелисьена Ропса (слышали о нем когда-нибудь?), а также особо отметил художника Константина Гайса (о нем тоже никогда не слышал). Красавчик Чарльз. Он также был постоянным автором ежегодного парижского Салона , старомодные власти которого запретили всем действительно хорошим художникам, которые в конечном итоге устроили ряд конкурирующих выставок, включая Салон Отверженных (1863), Салон Независимых (1884-1914) и Осенний салон (с 1903 г.). В Швейцарии и в немецкоязычном мире, возможно, величайшим историком искусства после Иоганна Винкельмана был Якоб Буркхардт (1818–1897), профессор истории Базельского университета. Его самая известная книга — «Цивилизация эпохи Возрождения в Италии» ( Die Kultur der Renaissance in Italien ), изданная в 1860 году, — исследовала всю совокупность итальянского Rinascimento и оказала большое влияние на искусствоведов XIX века. В Англии величайшим художественным критиком 19 века был Джон Раскин (1819-1900). Талантливый художник и прекрасный писатель, известный такими классиками, как его 5-томник « Современные художники » (1843–1860), « Семь светильников архитектуры» (1849) и 3-томник «Камни Венеции » (1851–1853), в конце концов он сошел с ума. но не раньше, чем он проиграл известное дело о клевете Уистлеру.
Роджер Фрай (1866–1934) был очень влиятельным английским художественным критиком, обладавшим прекрасным сладкозвучным голосом. Он заработал себе репутацию знатока итальянского Возрождения и стал куратором картин Метрополитен-музея в Нью-Йорке (1906-10). Однако в 1907 году Фрай «открыл» Сезанна и переключил свой интерес на постимпрессионизм , став величайшим поборником этого движения. В Лондоне в 1910 и 1912 годах он курировал две основополагающие выставки постимпрессионизма. Многие посетители считали Фрая сумасшедшим. Его главным апостолом был писатель, искусствовед и формалист Клайв Белл (1881-1964). Герберт Рид (1893-1968) был известным английским художественным критиком 20-го века и выдающимся интерпретатором современного искусства . Опубликовал множество работ, в том числе «Значение искусства» (1931 г.), « Искусство сейчас» (1933 г.), « Образование через искусство » (1943 г.), «Краткая история современной живописи» (1959 г.) и «Краткая история современной скульптуры» (1964 г.). Достаточно сказано. Вернувшись во Францию, ведущим искусствоведом начала 20 века был поэт Гийом Аполлинер (1880-1918). Блестящий пропагандист Пикассо, кубизма, орфизма, Марка Шагала, Джорджо де Кирико, Андре Дерена, Анри Матисса, Анри Руссо и Марселя Дюшана, его художественная оценка была безупречной. У сюрреализма были свои штатные пропагандисты, такие как Андре Бретон (1896-1966), и к тому времени, когда разразилась Вторая мировая война, почти каждый художник покинул Париж и уехал в Нью-Йорк, ставший теперь мировым центром искусства. Его ведущими искусствоведами были Клемент Гринберг (1909-94), Гарольд Розенберг (1906-78) и Джон Канадей (1907-85). Гринберг, бывший троцкист, отдавал предпочтение абстрактным работам, таким как картины Джексона Поллока, и написал « Искусство и культуру » (1961), а также монографии о Миро (1948) и других. К сожалению, хотя он определенно знал, как ценить живопись, большая частьавангардное искусство , которое он так любил, почти не поддается расшифровке — как и сам Гринберг. Розенберг, как и Гринберг, был последователем авангардной абстракции. Канадей, арт-обозреватель New York Times, был одним из немногих влиятельных критиков абстрактного экспрессионизма. Кеннет Кларк (1903–1983), несмотря на то, что он был большим традиционалистом, чем большинство критиков 20-го века, был, возможно, самым влиятельным из-за его создания отмеченного наградами документального сериала BBC TV «Цивилизация», который имел большой успех как в Великобритании, так и в Европе. Америке и во всем англоязычном мире. Невозможно оценить все искусство Французский импрессионизм — одно из самых успешных и влиятельных направлений в искусстве всех времен. Однако вначале он был встречен с насмешками не только критиками, но и всеми слоями зрительской публики. Моне, Ренуар и Писсарро чуть не умерли от голода. Сислей умер в нищете. Весной 1913 года Armory Show — крупнейшая выставка современного искусства, когда-либо увиденная в Соединенных Штатах, — прошла на Манхэттене, прежде чем отправиться в Чикаго и Бостон. Около 300 000 американцев увидели 1300 экспонатов, на которых была представлена самая современная европейская живопись, а также подборка лучших произведений современного американского искусства. Мнения сильно разошлись, особенно когда дело касалось кубизма и других произведений ХХ века. В ответ вспыхнули беспорядки, и художник Марсель Дюшан подвергся физическому нападению со стороны толпы, которая была полна решимости сжечь шоу. Урок? Не все высококачественные произведения искусства легко оценить или понять. |
|
|
|
• Дополнительную информацию о признании искусства учащимися см. на домашней странице .
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА |
